『ファウンダー ハンバーガー帝国のヒミツ』 マクドナルドのセールスポイント

 監督は『ウォルト・ディズニーの約束』などのジョン・リー・ハンコック
 マクドナルドのファウンダー(創業者)についての実話をもとにした物語。
 『バードマン』『スポットライト 世紀のスクープ』などのマイケル・キートンの主演作。

ジョン・リー・ハンコック 『ファウンダー ハンバーガー帝国のヒミツ』 レイ・クロック(マイケル・キートン)の実話をもとにしたお話。 


 1954年、レイ・クロック(マイケル・キートン)はシェイクミキサーのセールスマンとして中西部を回っていた。営業先で相手にされることもないむなしい日々なのだが、ある日、8台もの注文が入る。レイは驚いたものの、すぐに車を飛ばしいくつかの州を越え、はるばるその店へと向かう。

 レイ・クロックはマクドナルドの創業者として知られる人だ。しかし、マクドナルドの根本的なシステムをつくったのはマック(ジョン・キャロル・リンチ)とディック(ニック・オファーマン)のマクドナルド兄弟なのだ。兄弟はそれまでのドライブイン型の店をやめて、ファストフードの原型を作り上げた。
 メニューは限定され、皿などは使わず紙で商品を包み、食べたら捨てる。客の待ち時間を一気に短縮し、値段はかなり割安。今では当たり前でどこでも見る光景だけれど、その時代には革新的なシステムだったのだ。
 それではレイ・クロックは何をしたのかといえば、その店をフランチャイズ化して全米に広めたということになる。もともとマクドナルド兄弟もフランチャイズ化はしていたのだけれど、かなり範囲は限定されていた。職人気質のふたりはあくまで自分たちの目が届く範囲ということを重視し、商品の品質に関してレベルを落とさないように注意していた。レイ・クロックはそんな兄弟を説き伏せ、フランチャイズ展開を大々的に推し進めることになる。

『ファウンダー ハンバーガー帝国のヒミツ』 初期のマクドナルドの典型的店舗。Mのマークではなく、ゴールデンアーチと呼ばれる目印がある。

 マクドナルド兄弟もそれなりに金は稼いでいる。通常ならそこで満足してもいいはずなのだけれど、レイには大いなる野心がある。レイは兄弟を攻め落とすとき、マクドナルドを新しい教会にすると訴えかける。教会の代わりにマクドナルドに家族が押し寄せる。レイはそんな大きな構想を抱いている。これは単なる口説き文句以上のものであり、レイはほかの人が描けないような構想を抱いていたということなのだろう。
 町山智浩曰く、この時代はモータリゼーションの時代とのこと。誰もが車を持つ時代となり、知らない場所へと車で遠出することになる。知らない土地でもやはり腹は空くわけだけれど、どんな店かわからない店には入りづらい。そこに誰もが知っていて安心して食べられるチェーン店があれば必ず繁盛することになる。そんな時代背景もあってマクドナルドはどんどん大きくなっていくことになる。

 『ファウンダー ハンバーガー帝国のヒミツ』はレイの成功譚だけが描かれるわけではない。契約関係にあるマクドナルド兄弟とレイとの間でトラブルも生じる。どんどん店舗を展開していきたいレイにとって、いちいち兄弟の承認を得なければならないのは足かせになり、最終的にはレイは兄弟からすべてを奪い、自分がファウンダー(創業者)だと名乗ることになる。
 そのやり方はかなりえげつない。この“えげつない”という表現はレイ本人が実際に語っていた言葉のようで、そこまでするのかといった反感を覚える人もいるかもしれない。ちなみにこの作品はマクドナルド本社から承諾を得ているわけではないらしく、レイは怪物のようにも見えるのだ。
 とりあえず普通よりも野心家であることは確かだろう。奥様のレセル(ローラ・ダーン)から「いつになったら満足するの?」と問われ、レイは「決して満足することはない」と即答する。さらにレイは奥様の内助の功を無下にして、自分と似た野心家の女性ジョアン(リンダ・カーデリーニ)を新たな妻に迎えることになる。レイはジョアンを女性として好きになったというよりも、その野心に惹かれているのだ。レイは常に満足することなく、この作品内でも稼いだ金を使う場面などひとつもない。稼いだ金は新たな事業に回し、さらに会社を大きくしようと考えるような人なのだろう。普通の人には怪物に見えるけれど、これこそ資本主義の精神というものなのだろう。

 この映画を見るとマクドナルドが食べたくなるかどうかはわからないけれど、マクドナルドの帝国のヒミツをテンポよく簡潔に描いていてなかなか楽しめる。マクドナルドは資本主義のお手本のような企業なのだと思うのだけれど、最近は色々とほころびも見えたりもするわけで、レイが生きていた時代とは違ってきているのかもしれない。
 レイは最後にマクドナルド兄弟すら気がつかなかったマクドナルド帝国最大のセールスポイントを指摘することになるけれど、妙に納得させるものがあった(そう言えば、フェイスブックの創設者を描いた『ソーシャル・ネットワーク』にも似たようなエピソードがあった)。
 マイケル・キートンの目はバットマンを演じてその闇を感じさせ、騒がしいキャラ・ビートルジュースをやっていてもその目は笑っているように見えなかったわけで、怪物とも英雄とも見える主人公レイによく合っていたと思う。レイに棄てられることになるエセルを演じたローラ・ダーンの苦々しい顔も忘れがたい。

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Date: 2017.08.01 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (10)

『ウィッチ』 すべてを脱ぎ捨て自由な森へ

 ロバート・エガースの初監督作品。サンダンス映画祭で監督賞を受賞するなど評判になった作品。
 『スプリット』のアニヤ・テイラー=ジョイの主演作。

ロバート・エガース 『ウィッチ』 トマシン役のアニヤ・テイラー=ジョイの出世作。

 舞台は1630年のアメリカ・ニューイングランド。篤い信仰心のためにコミュニティを追放されることになったウィリアム(ラルフ・アイネソン)とその家族たちは、ゲートで区切られた安全な場所を離れ、森の近くの荒地に住むことになる。長女トマシン(アニヤ・テイラー=ジョイ)が赤子のサムを相手に「いないいないばあ」で遊んでいると、サムは本当に消えてしまう。森に住む“何か”のせいなのか家族に不運なことが続いていくと、次第にトマシンは魔女ではないのかという疑いをかけられることになる。

 人が森を切り開きゲートで周りを囲い群れて住んだりするのは、外敵から身を守るために助け合う必要があるということなんだろう(それだけ森のなかは恐ろしい)。清教徒たちの信じる神がそれぞれのコミュニティごとに罪を量るわけではないとは思うのだけれど、コミュニティのなかで不幸が起きると罪を犯した人が探されることになる。信仰に厳格すぎるウィリアム一家はコミュニティにとってかえって目障りだったのか、理由をつけて追放されることになってしまう。
 同じことはウィリアム一家の内部でも生じる。新居を構えた森のそばで不幸が続くと、誰かが神に背いた(悪魔と契約した)から一家に災いがもたらされたということになり、その原因として魔女が生み出されることになる。まだ無邪気な双子は除かれるとして、母親からの寵愛を受ける長男ケイレブにも問題はない。そうなるとケイレブの視線に気づいても、それをもてあそぶ程度には成熟しつつあるトマシンは危険な存在と見なされやすいのかもしれない。
 森のなかに住んでいる人のなかには、コミュニティから魔女として追放されたふしだらな女たちもいたのだろう。原題は「The VVitch」。「W」ではなく「V」がふたつ。「Vitch」という綴りが「bitch」と発音が似ているのかどうかはよくわからないのだけれど、『ウィッチ』はビッチが救済される映画のようにも思えた。信仰でかんじがらめの生活からすべてを脱ぎ捨てて自由な森へ行こうと誘う作品なのだ。

『ウィッチ』 ミレーの絵画のような一場面。

『ウィッチ』 ろうそくの灯で撮影された場面は宗教画のよう。低音ボイスが印象的な父親の姿はイエスっぽい。

 この作品はトマシンが魔女とされていく過程をじっくり見せていくというもので、ホラー映画というジャンルに分類されるものの、モンスターが暴れまわったりするようなものではない。得たいの知れない森の恐ろしさは次第にウィリアム一家を追いつめていき、森からやってくるウサギやカラスすら魔女の使いのようにも思えてくる雰囲気を醸し出している。飼っている黒山羊の禍々しさも特筆すべき点だろう。
 ミレーの絵画風なカットとか、ろうそくの灯で撮影された宗教画のような場面など、丁寧な画づくりはとても好感が持てるし、静かに緊張感を高めていくサウンドもいい。物語の展開には驚くようなものはないかもしれないけれど、何度も見たいと思わせるような良品に仕上がっているんじゃないかと思う。
 出演陣ではこの作品のあと『スプリット』へとジャンプ・アップすることになるアニヤ・テイラー=ジョイが出色。当時19歳だったというアニヤ・テイラー=ジョイは意外に幼くも見える部分もあるのだけれど、弟の視線を集めてしまう白い胸元が血で赤く染まるあたりにエロスを感じさせる。魔女に魅せられ熱に浮かされるように事切れる弟ケイレブを演じたハーヴィー・スクリムショウの熱演も見どころ。
Date: 2017.07.30 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (0)

『君はひとりじゃない』 霊媒師がつなぐもの

 ベルリン国際映画祭で銀熊賞(監督賞)を受賞したポーランド映画。
 監督はマウゴシュカ・シュモフスカ
 原題は「Body」。邦題は劇中で何度もかかる「You'll Never Walk Alone」という曲から採られているらしい。

マウゴシュカ・シュモフスカ 『君はひとりじゃない』 ベルリン国際映画祭で銀熊賞(監督賞)を受賞したポーランド映画。

 冒頭のエピソードが奇妙だ。首吊りで死んだはずの男が、警察によって木から降ろされてしばらくすると、死んでいたことを忘れてしまったかのように歩いてどこかへ去っていく。周囲の人たちは唖然とするものの、この現象に対しての説明はなく「死者の世界」と「生者の世界」の境界はあやしいものになっていく。
 主人公となる父と娘は妻(母)を亡くしたことによって、精神的なバランスを欠いた状態にある。娘のオルガ(ユスティナ・スワラ)は摂食障害となり、父親の前で奇行をしてみせたりする。そんな娘を見守っている父親ヤヌシュ(ヤヌシュ・ガヨス)も、現実的な感覚を失っているようで、検察官の仕事で残酷な死体を見ても動じることはなく、食事には大量のコショウをかけないと味がしないらしい。そしてオルガのカウンセラーとして登場するのがアンナ(マヤ・オスタシェフスカ)で、霊媒師としての能力を持つアンナは、オルガの母親の霊について仄めかすことになる。
 アンナは子供を喪って以来、霊媒としての能力を授かることになったらしい。今では亡くなったばかりの少年の霊を見たり、死者の声を届けるメッセンジャーとしても活動している。そんなアンナがヤヌシュの妻の声を聞いているかのようなことを語ったりもするものだから、この作品では霊的存在の証拠が何らかの形で示されるのだろうという観客の期待も高まっていく。

 ※ ネタバレもあり! ラストにも触れているので要注意!!


『君はひとりじゃない』 アンナ(マヤ・オスタシェフスカ)はカウンセラーとしてオルガ(ユスティナ・スワラ)の治療にあたる。

 ラストは交霊術を試す場となり、丸いテーブルの周りにはヤヌシュとオルガとアンナの3人が揃うことになる。いよいよアンナが霊媒師としての力を示す時間ということになるわけだけれど、アンナはそれに失敗することになる。(*1)
 一晩中交霊術をやってみるものの結局何も起こらないのだ。それでもヤヌシュとオルガは何となく笑ってしまう。ふたりは霊的存在について信じていたわけではなかったけれど、アンナを媒介としてそれまで真摯に向き合うこともなかった父と娘が、奇妙な一晩を過ごすことになったからだ。
 実際にアンナが霊的存在を感じることができるのか否かはあまり問題ではないのだろう。アンナは死者の言葉(とアンナが考えるもの)を伝えることで、現実世界に居場所を獲得していたことも確かなのだ。ヤヌシュとオルガにとっては、それまではその家族の中心にいたであろう妻(母)を喪ったことで、ふたりの気持ちもバラバラになりかけていたわけだけれど、そこにアンナという媒介が入ることで再びつながることができたのだ。
 霊媒というのは霊的存在と人とを結びつけるものなのだそうだ。アンナは霊媒としての役割は果たせなくとも、人と人とを結びつける役割は果たしたわけで、カウンセラーとしての仕事もまっとうしたとも言えるのかもしれない。

 誰もがみんな病んでいるのだけれど、それがあまり深刻にならずに滑稽なもの見える。アンナと一緒に生活している犬のデカさには異様なものを感じるし、ヤヌシュの彼女のダンスシーンには呆気にとられる。ヤヌシュの彼女はもう還暦くらいなのにパンツ一丁で踊り狂うのだ。ヤヌシュはそれを笑いながら見ているのだけれど、観客として傍から見るとまるでホラー映画……。ヤヌシュの闇を感じる場面だった。

(*1) このオチは以前『お嬢さん』のところでも触れた『半身』と似ている。「やっぱり嘘だったのね」ということになるわけだけれど、『半身』には怒りを覚えても、『君はひとりじゃない』は微笑ましい。何だかんだ言ってもアンナはいい人だから。
Date: 2017.07.25 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (2)

『甘き人生』 マザコン男の覚醒と救い

 『ポケットの中の握り拳』『眠れる美女』などのマルコ・ベロッキオの最新作。
 原作はイタリアではベストセラーになったジャーナリストの自伝小説。
 原題は「Fai Bei Sogni」で、「よい夢を」といった意味合い。

マルコ・ベロッキオ 『甘き人生』 マッシモ(ヴァレリオ・マスタンドレア)とエリーザ(ベレニス・ベジョ)。

 マッシモ(ダリオ・ダル・ペーロ)は9歳のとき母親を喪う。あまりの突然のことにマッシモはその死を受け入れることができない。成長してジャーナリストとなったマッシモ(ヴァレリオ・マスタンドレア)は、父親の死後、母親が亡くなった場所でもある家を相続することになり過去と向き合うことになる。
 この作品は1969年のトリノと、1990年代のローマでの出来事を行ったり来たりしながら進んでいく。マッシモにとってのトラウマは、母親が消えるようにいなくなってしまったこと。それが原因なのかマッシモは他人との間に壁をつくってしまい、女性との関係もうまくいかなかったりするし、夢のなかを彷徨っているように生きている(劇中ノスフェラトゥの姿が登場するのはマッシモのイメージなのかも)。

 イタリア人の男性はマザコンであるというのはよく聞く話。この映画の主人公マッシモも母親との日々と忘れることができず父親(グイド・カプリーノ)を困らせることになるし、成長してからも友人エンリコとその母親(エマニュエル・ドゥヴォス)の関係を羨んでいるようでもある。
 ジャーナリストになってからは、「母を愛せない」という読者投稿欄の返答として、幼くして母を亡くした自らの境遇を告白し、「母親がそばにいることは素晴らしいことじゃないか。今すぐ帰って母親を抱きしめろ」といった内容の記事を書くことになる。これは社会で大反響を呼んでしまい、マッシモはかえって困惑することになる。

 ※ 以下、ネタバレもあり! 


『甘き人生』 母親(バルバラ・ロンキ)はマッシモがまだ子供もころに亡くなってしまう。

 マッシモの母親が亡くなった日の描写は、母親の決意めいたものを感じさせるものになっている。それでも母親の死の真相は明かされることなく物語は進み、マッシモはあちこち彷徨ったあげくエリーザ(ベレニス・ベジョ)と出会うことになる。エリーザとの歓喜のダンスシーンもあってこのまま大団円で終わるのかとも思っていると、最後の最後で真相が明かされることになる。実はマッシモの母親は病気を苦に自殺していたのだ。カトリックの国であるイタリアでは自殺は罪とされるため、その事実はマッシモに伝えられることがなかったのだ。
 新聞投稿の「母を愛せない」という言葉に反応して「母親を抱きしめろ」と煽ったマッシモだが、そんな自分は母親に見捨てられていたのかもしれないと30年後にようやく気がつくことになる。マッシモがその真相に気がつかないというのはちょっと間が抜けているような気もするけれど、最後になって梯子を外すという展開はなかなか意地が悪い。ベロッキオ監督は処女作『ポケットの中の握り拳』では主人公に母親を崖から突き落とさせたりしているわけで、マザコン礼賛で終わるわけがないとも言えるのかもしれない。
 ただこの作品では一度は母親との過去の想い出を否定したようでいて、同時にマッシモを救っているのは母親を思わせるエリーザという女性であるという点で、母親に対する複雑な感情を吐露しているようにも思える。

 エリーザと母親が似ているというのは、面影が似ているといった意味合いではなく、ふたりの姿が重ね合わせるように描かれているということで、冒頭の母親とマッシモのダンスシーンはラスト近くでエリーザとマッシモとの間で繰り返される。
 母親の投身自殺そのものは描かれることはない。それでもマッシモはナポレオン像を外に投げ落としたり、壁のオブジェを落として割ってしまったりと、落下のイメージは何度も登場する。そして飛び込み台から落下することになるエリーザがそのあとマッシモのそばに寄りそうことになるのは、母親が復活したかのようなイメージとして描かれているということなのだろう(少年時代のマッシモはベルフェゴールという悪魔に母親が戻ってくることを願ってもいた)。
 ラストの母親とマッシモのかくれんぼも美しい想い出として描かれていて、若かりしころの『ポケットの中の握り拳』のような残酷さは薄れたとしても、老境に達したベロッキオ監督の円熟味を感じさせる作品となっているんじゃないだろうか。

マルコ・ベロッキオの作品
Date: 2017.07.17 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (2)

『裁き』 不条理を感じる人は誰?

 監督・脚本はチャイタニヤ・タームハネー
 アカデミー賞外国語映画部門のインド代表となった作品。原題は「COURT」

チャイタニヤ・タームハネー 『裁き』 法廷を舞台にした話だが、よくある法廷劇とは趣きが異なる。

 ある日、年老いた民謡歌手カンブレ(ビーラー・サーティダル)が舞台で歌を披露していると、突然闖入してきた警察官に逮捕される。容疑は彼の歌が自殺を煽ったというもの。「下水清掃人は下水道で窒息死しろ」という内容の歌が、ある下水清掃人を自殺へと追いやったのだという……。
 裁判映画ということで、法廷内での喧々諤々の激論を予想していたのだが、この作品はそんなふうには展開しない。一応の悲劇の主人公となるカンブレだが、逮捕されて以降はほとんど姿を現さず、法曹関係者たちの姿が追われていくことになる。
 この作品の法廷劇は観客の情感に訴えるということもなく平坦に進んでいく。事務的に作業を進めようとする検察官(ギーターンジャリ・クルカルニー)は文書を朗々と読み上げるだけだし、人権派らしい弁護士(ビベーク・ゴーンバル)も派手な見せ場があるわけではない。
 さらにこの作品を独特なものにしているは、法廷劇の合間に弁護士・検察官・裁判官のごく普通の生活が描かれていくところだろう。しかも法曹関係者の日常描写は法廷劇に何らかの影響を与えるわけでもない。たとえば弁護士は紀ノ国屋的な高級スーパーでチーズやワインなどを買い漁るのだが、こうした描写は弁護士がそれなりに裕福な生活をしているというだけのものであって、物語の中心であると思われたカンブレの裁判とは何の関わりもないのだ。

『裁き』 カンブレ(ビーラー・サーティダル)の歌はなかなか威勢がいい。

 この作品の感想を見ると「不条理」という言葉があちこちに見られる。たた登場人物たちはそうした「不条理」をまるで当然のものとして受け入れているようにも見える。何の罪もない人間が冤罪によって不当に逮捕されているにも関わらず、法曹関係者たちはそれを当たり前の事態として日常を過ごし、自らの仕事に対する矜持といったものを感じさせるわけでもなければ、インド社会の状況に苦悶するわけでもない。
 そして、何より冤罪の当事者であるカンブレ自身も怒りや苦しみを訴えようとするわけでもないのだ。カンブレは歌っているときは威勢がいいのだが、逮捕されるときは従順な様子で抵抗をすることもない。カンブレの態度は不可触民として差別されてきたことによる深い絶望なのか、あるいはそれをごく自然のものとして受け入れているのかは判断がつきかねた。後者だとすれば不気味なものすら感じるのだけれど、それはこの作品を日本の映画館で観ている観客だから言えることなのかもしれないわけで、かの国の人々はどんな話として受け取るのだろうか。
 法廷劇を見に行ったつもりがインドの何気ない日常風景を見る羽目になるという事態は「不条理」な状況だったと言えるかもしれない。とりあえずユーロスペースにネット予約システムが導入されたのを確認できた点では収穫があったかと思う(以前の『FAKE』のときは文句を垂れていたので)。
Date: 2017.07.14 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (2)
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新作映画(もしくは新作DVD)を中心に、週1本ペースでレビューします。

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