『死の谷間』 ネオ・ジェネシス?

 監督は『コンプライアンス 服従の心理』クレイグ・ゾベル。『コンプライアンス』は実話を元にした作品で、何とも不快でイライラさせられる点が素晴らしかった。
 原作はロバート・C・オブライエンの小説『死の影の谷間』。
 原題は「Z For Zachariah」

クレイグ・ゾベル 『死の谷間』 マーゴット・ロビーが『スーサイド・スクワッド』あたりでブレイクする前に撮った作品。

 死の灰に覆われた核戦争後の世界のなかで唯一汚染されていない谷。どことなく『風の谷のナウシカ』なんかを思わせる設定だが、この作品が描こうとしているのは新しい「アダムとイブ」の物語ということになるようだ。
 その谷間での唯一の生存者アン(マーゴット・ロビー)は、愛犬と一緒に誰もいなくなった我が家に住んでいる。スーパーの食品もあらかた食べ尽くし、自給自足で生きていく方法を探している。そんなある日、谷間に防護服を来た誰かがやってくる。
 自らを唯一の生存者と思っていたアンは、自分以外の人間が生きていたことに喜びを感じつつも、その人間がどんな人物なのかがわからずに遠巻きに様子を窺う。しかしそのうちにその黒人男性ジョン(キウェテル・イジョフォー)は汚染された水の泉に浸かってしまい、体調を崩すことになってしまう。アンはジョンを助け、体力回復のために一緒に生活することになる。

『死の谷間』 微妙なバランスの上に成り立つ三角関係。

 まだ若くて健康的なアンと、放射能の被害に苦しむ中年男性ジョン。そんなふたりが新しいアダムとイブなのかと思っていると、そこに第三の男が登場するところが「創世記」のそれとは違うところ。
 ジョンはアンとふたりだけの生活をそれなりに楽しんだりもし、男女の関係にもなりかけるのだけれど、時間はたっぷりあるからと手を出さないのだ。そうこうしているうちに別の男ケイレブ(クリス・パイン)――白人で、アンと同じくキリスト教徒――がやってきたものだから、妙な三角関係になってしまう。
 世界の終わりという危機的な状況のなかで、何とも日常的なじれったい三角関係が描かれていく。三人がその谷で冬を越すためには水車を作り、電気を使えるようにすることが必要とされる。そのためにはケイレブの体力と、科学者としてジョンの知識も必要となる。微妙なバランスの上に成り立つ関係は水車の完成とともに崩れることになるのだが、その結末は明確に示されるわけではない。

 原題は「Z For Zachariah」というもの。これは映画『死の谷間』のなかにも登場する「A For Adam」という絵本と対になっている。これは「ドレミの歌」みたいに、「AはアダムのA」から始まって「ZはザカリアのZ」で終わるものだ。つまりは原題が「Z For Zachariah」となっているのは、人類の始祖であるアダムとイブではなく「最後の人」という意味合いもあるのかもしれない。
 3人が食卓を囲んでの告白合戦の際には、自分たちが見てきた世界の終わりの壮絶さが語られる。誰もが酷い世界を経験してきたわけだが、ジョンがアンに対して一歩踏み込めなかったのもそうした過去が影響しているらしい。どちらかと言えば本能的に生きているケイレブは無頓着だったからこそアンと結ばれることになったのかもしれない。考えすぎるとうまくいかないという教訓話をしたいわけではないと思うのだけれど、曖昧すぎて新しい「アダムとイブ」像というものが見えてくることはなかったようにも思えた。
 ちなみに原作は映画とはまったく異なるものだった。そもそも第三の男は登場しないのだから。しかもアンはまだ16歳の子供という設定。映画でアンを演じたマーゴット・ロビーはもっと大人に見えたし、積極的に次世代のことを考えていたようにすら見えたのだけれど……。

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Date: 2018.07.06 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (1)

『ハン・ソロ/スター・ウォーズ・ストーリー』 ナンバー2が最高ってこともある

 『スター・ウォーズ』シリーズの外伝。監督は『インフェルノ』などのロン・ハワード
 かつてハリソン・フォードが演じて人気者になったハン・ソロが主役となった作品。
 原題は「Solo: A Star Wars Story」

ロン・ハワード 『ハン・ソロ/スター・ウォーズ・ストーリー』 『スター・ウォーズ』シリーズのスピン・オフ作品。

 スピン・オフ作品としては『ローグ・ワン』があるわけだけれど、一応『ローグ・ワン』が直接的にエピソード4に結びつく物語となっていたのに対して、『ハン・ソロ』は『スター・ウォーズ』正史とはまったく別の話となっている。
 時代設定としてはエピソード4の10年ほど前で、若かりし頃“ハン”と呼ばれていた青年が、いかにしてミレニアム・ファルコン号の船長“ハン・ソロ”となったのかが描かれていく。ファミリーネームかと思っていた“ソロ”の由来やら、チューバッカとのなれそめ、ファルコン号獲得に至るエピソードなど、ハン・ソロの過去が詳らかにされる。
 しかしコアな『スター・ウォーズ』ファンというわけでもない私としては、これまで台詞だけで触れられていたこと――「ケッセル・ランを12パーセクで飛んだ」という伝説などが出てきてもあまりピンと来なかった。ほかにも正史とは別のアニメ作品なんかも観ていないとわからない部分もあるそうで、「コアなファンには楽しめるのかもしれないけれど……」というところもあった。

『ハン・ソロ/スター・ウォーズ・ストーリー』 ハン・ソロ(オールデン・エアエンライク)とチューイ。チューイはちょっとやせてた? というか毛並みの違い?

 エピソード4~6においてハン・ソロが魅力的なキャラだったのはわかるけれど、あくまで脇役としてであって、味方の窮地に登場して一番いいところをかっさらって行くところがよかったんじゃないんだろうか。『科学忍者隊ガッチャマン』で言ったら主人公のケンよりも、コンドルのジョーのほうが好きといった感じだろうか(この比喩が適当かどうかはわからないけれど)。
 今回の作品はハン・ソロ(オールデン・エアエンライク)が主役ということで、冒頭で幼なじみのキーラ(エミリア・クラーク)と自由を求めて惑星コレリアから逃げ出すことになるのだが、コレリアという故郷がそんなに酷いところなのかもわからないし、キーラとの関係もちょっとだけ触れられるだけだから、ふたりが逃げ出す動機も、離ればなれにされてもあきらめないという感情もよくわからず、物語に入り込めなかった(冒頭、画面が暗いのもちょっと気になった)。
 このふたりの関係は最後まで曖昧なままで、この作品のなかで何らかの決着がつくわけでもない。ふたりの関係が元に戻ることはないといった悲劇になるわけでもなければ、ハッピーエンドになるわけでもなく、そのまま次作に持ち越そうという展開には首をかしげることになった。
 それからエピソード4では宇宙の平和とかレジスタンスの大義より「金と命が大事」という態度だったハン・ソロが、本作ではレジスタンスにシンパシーを感じて大金を惜しげもなく差し出すことになるのだけれど、この落差はエピソード4までの間に何かしらの決定的な出来事が生じるということなんだろうか。どうやらこの作品自体の評判がいまひとつということで、『ハン・ソロ』シリーズ自体があやしくなっているようで、続篇が作られないとすれば、なおさら中途半端になってしまうんじゃないだろうか。
 アクションとしてよかったのは西部劇を意識した列車強盗の場面。ハン・ソロにサバイバル術を伝授するトバイアス・ベケット(ウディ・ハレルソン)のキャラも悪くない。しかし、もっと感動的であってもよかったはずのハン・ソロがファルコン号を初めて操縦する瞬間に思い入れが感じられなかった。これならばエピソード7『スター・ウォーズ/フォースの覚醒』で久しぶりに登場したファルコン号のほうが魅力的に映っていたんじゃないだろうか。135分それなりに楽しませるのだけれど、総じて不満が残る作品だった。
Date: 2018.07.04 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (3)

『告白小説、その結末』 ネタバレ厳禁! ふたりの関係は?

 『テス』『おとなのけんか』などのロマン・ポランスキーの最新作。
 原作はデルフィーヌ・ド・ヴィガンの小説「デルフィーヌの友情」
 原題「D’après Une Histoire Vraie」で、英題は「Based on a true story」

ロマン・ポランスキー 『告白小説、その結末』 デルフィーヌ(エマニュエル・セニエ)とエル(エヴァ・グリーン)の関係は?


 人気作家デルフィーヌ(エマニュエル・セニエ)のサイン会に現れたのは、エルという美しい女性(エヴァ・グリーン)だった。デルフィーヌの気持ちがわかると言うエルは聞き上手で、次の仕事のことで悩んでいるデルフィーヌの話し相手になる。次第にデルフィーヌに近づいたエルは、一緒に生活をするまでなっていくのだが……。

 エルという女がいかにもあやしい存在で、何のために近づいてきたのかというところが気になるところ。人気作家の財産目当てなのか、それともデルフィーヌのことが気に入った同性愛者なのか。
 デルフィーヌは自殺した母親のことを綴った私小説でベストセラー作家の仲間入りを果たしたのだが、次の作品が未だに書けずにいる。“事実に基づいた”作品とは異なり、次回作ではフィクションに挑戦しようと考えているのだが、なぜか書き出そうとして一文字たりとも書くことができない。そんなデルフィーヌの事情を知ったエルは、フィクションではなくかつて書いた私小説(告白小説)の続きを書くべきだと助言することになる。
 後半では田舎の一軒屋でたまたま足にケガを負ったデルフィーヌは、エルに監禁されているかのような状態になる。狂ったファンに作家が小説を書くことを強要される『ミザリー』を思わせる展開に……。

 ※ 以下、ネタバレあり! 結末にも触れているので要注意!!

『告白小説、その結末』 エルはデルフィーヌにとって欠かせない友人となっていくのだが……。

 エルはデルフィーヌの良き理解者で、彼女のことを何でもわかっている。しかもエルの仕事はゴーストライターであり、文章を書く仕事をしている。さらにデルフィーヌを次回作に専念させるため、ほかの雑用仕事(たとえば講演会)にデルフィーヌの替玉として参加したりもする。もしかするとエルはデルフィーヌの立場そのものを奪おうとしているのか。そんなことも思いながら観ていたのだけれど、オチが明らかにされてみれば「なるほど」という感じはするものの、そのアイディアのみで突き進んでしまった感もある。多分、勘のいい観客ならば途中でオチに気がつくんじゃないだろうか。
 ネタバレは厳禁という作品だと思うので、以下は要注意のこと(反転するとネタバレ)。
 簡単に言ってしまえば『告白小説、その結末』は、女性版の『ファイト・クラブ』ということになる。つまりはデルフィーヌとエルは同一人物ということだ。次回作が書けずにスランプ状態にあったデルフィーヌは「想像上の友達」としてエルを創造し、自らを鼓舞するように仕向けたということになる(もちろんデルフィーヌ本人すら知らぬ間にということだが)。
 オチを知ればデルフィーヌが異様にどん臭い女でエルの企みにまったく気づこうとしないのも理解できるし、エルのキレっぷりが非現実的なのも肯ける。エルはデルフィーヌの書けないイライラを解消するための幻だったのだろうし(ミキサーを叩き壊すエヴァ・グリーンがちょっと笑える)、デルフィーヌが本当に書かなければならないことを教えてくれる存在でもある。
 ちなみにウィキペディアで「イマジナリーフレンド」の項目を参照してみると、本作のデルフィーヌとエルの関係そのものだった。イマジナリーフレンドは本人に助言を行ったり、時に自己嫌悪の具現化として自ら傷つけることもあるのだとか。まさに本作の解説のようでもあり、そこから抜け出ていないところがこの映画が物足りないところになるだろうか。

 以下はあまり関係ない話だけれど、たまたま読んでいた映画の本に大林宣彦監督のインタビューがあった(『映画の言葉を聞く 早稲田大学「マスターズ・オブ・シネマ」講義録』)。そこで大林監督が語っていたのが『ふたり』についてで、『ふたり』も実は姉と妹の話ではなくイマジナリーフレンドの話だったということになる。熱心な大林ファンの間では周知のことなのかもしれないのだけれど、偶然にも『告白小説、その結末』を観たあとにこれを読んだので引用しておこうと思う。

 『ふたり』という作品は赤川次郎さんの原作で、事故死してしまったしっかり者の姉と、姉を頼ってばかりいた妹との奇妙な物語です。石田ひかりが演じた妹が主人公で、亡くなったお姉さんが幽霊みたいに出てくる。でも原作では、その幽霊は妹が自分で成長するために自分でつくりだしていた幻想だったと記されているんですね。


映画の言葉を聞く 早稲田大学「マスターズ・オブ・シネマ」講義録


Date: 2018.06.26 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (2)

『母という名の女』 良妻賢母はもう死語?

 『父の秘密』『或る終焉』ミシェル・フランコ監督の最新作。
 カンヌ国際映画祭のある視点部門で審査員賞を受賞した作品。
 原題は「Las Hijas De Abril」で、「アブリルの娘たち」といった意味。

『母という名の女』 母親アブリル(エマ・スアレス)とそのふたりの娘。エマ・スアレスは『ジュリエッタ』に出ていた人。

 バレリア(アナ・バレリア・ベセリル)は17歳で身籠っている。姉のクララ(ホアナ・ラレキ)とふたりだけの生活は自由なもので、お腹ははちきれんばかりなのに朝からマテオ(エンリケ・アリソン)とセックスに励んでいる。一方の姉は、そのあえぎ声を聞きながら平然と(?)朝食を作り、汚れたシーツの後始末をする。
 バレリアは母に妊娠のことを知られたくはなかったようだ。それでもクララは妹のことが心配だったのか、そのことを母親アブリル(エマ・スアレス)に知らせたのだろう。ふたりが暮らす海辺の家に疎遠だった母親が突然姿を現す。
 それまでは母親のことを嫌がっていたバレリアだが、妊娠という初めての経験もあってか、彼女のことを頼りにするようになる。そして子供が産まれて世話をしていくうちに、バレリアは子育ての大変さに根を上げるようになり、アブリルにその世話は回ってくるようになり、アブリルは予想もしなかった行動に出ることに……。

 ※ 以下、ネタバレもあり!

『母という名の女』 アブリルは子供を餌にして父親マテオを自分のところに囲い込むことに……。

 カンヌ映画祭でパルム・ドールを獲得した『万引き家族』は「家族のあり方」を問う作品だったわけだが、『母という名の女』は「母親という女のあり方」を問う作品となっている。かつては家族にしても母親にしてもどこかで普遍的なものが存在しているように感じられていたのかもしれないのだが、近頃ではそうした感覚はあやしくなっているようだ。絵に描いたような家族もあるかもしれないし、良妻賢母の女性だっているかもしれないのだが、そうじゃない場合のほうが多いんじゃないか。そんな多様性の感覚のほうが一般的になってきたということだろうか。
 この作品ではアブリルという母親が自分の娘バレリアから子供を奪い取り、それを餌にして娘の旦那であるマテオまで手に入れ、まるで新婚生活のようなひと時を過ごすことになる。まだ17歳という未熟なふたりだけに、子供を養子に出すという行為はあり得ない話ではないのかもしれないが、何の相談もなく決行するのは常識ハズレなのは言うまでもない。

 なぜアブリルがこんな行動に出たのか。この作品はそうしたことをわかりやすく説明してくれる作品ではない。原題は「アブリルの娘たち」。複数形になっているということは、バレリアと共にクララのことも指しているのだろう。
 ふたりは対照的だ。母親を嫌っているバレリアとは違い、クララは完全に母親の支配下にある。アブリルはクララに対してやさしく接しているけれど、それはクララが従順なときだけなのかもしれない。バレリアの子供を養子に出す手配も、アブリルの指示のもとに、クララが書類作成を手伝っている。クララが母親の行動をどう思ったのかは知らないけれど、クララは唯々諾々と従ったのに対し、バレリアは当然のごとく反発する。そんな関係だから、アブリルは女としての対抗意識を燃やしたということなのだろうか。アブリルは二児の母とはいえ、ヨガのインストラクターとして活躍し、未だに美しい容貌を保っているのだ。
 アブリルの企みがバレリアに知られてしまったときのアブリルの行動もおもしろい。バレリアからすれば母親アブリルから苦し紛れの言い訳くらい聞きたかったんじゃないかと思うのだが、アブリルはそんなやさしさを持ち合わせているはずもなく、すべてを捨てて逃亡することになる。もはや母親と娘の関係というよりは、子供をさらった誘拐犯とその被害者の関係みたいなものだからなのだろう(見知らぬ飲食店に置き去りにされる子供の泣き声が壮絶だった)。
 
 ミシェル・フランコの演出は即物的だ。カメラはミディアムサイズで人物を捉えているが、逆光だったりして登場人物の表情は明らかになることのほうが少ない。だから表情から登場人物の心情を読み取ることも難しいわけで、観客は登場人物の行動を追うほかない。そんなときに印象に残るのが移動シーンで、『父の秘密』でも『或る終焉』でも車での移動や登場人物が誰かを追っていく場面などがあった。
 ミシェル・フランコ監督はインタビューで「車内シーンがよく登場するのは?」という質問に対してこんなふうに答えている(こちらのサイトから引用)。

 劇中で移動するのが好き、ということが一つあります。あと車内というのは親密な空間なので、それを好んでいるというのもあります。車内の設定だと、セリフがないような場面であっても、観客がキャラクターと密着してより親密な空間に身を置くことができるからです。キャラクター達自身が自分の人生を変えるべく、また自分の人生を再訪するべく移動していく物語だとおもうので、移動するということは重要だと思っています。


 本作でも最後のバレリアの行動は「移動する」ことだった。彼女がどこに向かっていて何を目指しているのかが明らかになるのは、その行動にようやく一区切りがついて彼女が安堵の笑みを浮かべたときになる。『或る終焉』のラストを見ている観客としては何が待ち受けているのかハラハラしながら見守っていたのだけれど、最後はホラー映画で得体の知れないモンスターから逃げ出してきた女の子といった感じだった。
Date: 2018.06.23 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (1)

『ビューティフル・デイ』 望んだ自分にはなれなくて

 監督は『少年は残酷な弓を射る』などのリン・ラムジー
 原題は「You Were Never Really Here」
 カンヌ国際映画祭で男優賞(ホアキン・フェニックス)と脚本賞を獲得した作品。
 前回取り上げた『ファントム・スレッド』と同様に、音楽はジョニー・グリーンウッドが担当している。

『ビューティフル・デイ』 ニーナ(エカテリーナ・サムソノフ)とジョー(ホアキン・フェニックス)のふたり。

 売春組織から少女を救い出す仕事を請け負って生計を立てているジョー(ホアキン・フェニックス)。過去のトラウマで自殺願望を抱くジョーは、ビニールを被り呼吸困難に自らを追いやるなど死に囚われた状態にある。それでも仕事をこなしているのは、老いた母(ジュディス・ロバーツ)がいるからで、母の存在だけがジョーをこの世に引き止めている。
 断片的な映像からはジョーの過去に何があったのかを詳細に知ることは難しい。父親からの虐待や、軍人だったころの悲惨な光景、そんな場面が度々ジョーを襲っては苦しめている。この作品の原題は「You Were Never Really Here(あなたはここにいなかった)」であり、この言葉の指すものはジョーの置かれた状況ということだろう。ジョーは自殺願望で今そこに居ながらも、あの世を見ているようでもあるからだ。「心ここにあらず」というやつだろう。
 そして、ジョーが助けることになるニーナ(エカテリーナ・サムソノフ)という少女も似たような立場にある。ニーナは売春組織に売られ酷い目に遭ったのか、ジョーがそこから救い出してもほとんど茫然自失の状態にあるのだ。

『ビューティフル・デイ』 ジョーは母親を殺した男を痛め付けるのだが……。

 物語は助けたニーナを巡ってさらに血生臭い事態へと展開していくことになるのだが、監督リン・ラムジーが狙っているのは少女を助けるヒロイズムとか暴力描写にあるのではないようだ。
 妙に印象に残るシーンがある。一度は助けたニーナはある男たちに奪い返され、ジョーの自宅では彼の母親も殺害されている。ジョーは母親を殺した男を問い詰めてニーナの居場所を吐かせることになるのだが、その場面がちょっと変わっている。
 というのも、ジョーが男を残酷な方法で殺し、仇討ちをするわけではないからだ。この場面ではラジオから流れる「I've Never Been to Me」という曲を男が口ずさみつつ、ジョーの手を握りながら死んでいくのだ。
 この曲は日本では「愛はかげろうのように」というタイトルで知られているもの。その歌詞は、夢のような生活をしたこともある女性が自らの過去を振り返って、それでも「本当のわたしにはなったことがない」と語るものだ。意訳をすれば、望んだ自分にはなれなかったということになるだろう。この歌詞が死んでいく男の気持ちを代弁しているのは言うまでもない。
 死んでいく男は、ニーナを食い物にする大物政治家の依頼で仕事をしたものの、そのために自分が死ぬ羽目になる。少女を自分のものにしたいがためにあらゆる手段を使うおぞましい人間のために、なぜ自分が死ななければならないのか。そんな虚しさが「I've Never Been to Me」の歌詞と通じているわけで、その男がジョーの手を握ったのは、ジョーの置かれた状況(「You Were Never Really Here」)を察したからなのだろう。誰もがままならない人生を歩んでいるという部分で共通しているのだ。

 この作品のラストには、一応「一筋の光」のようなものが見出せるのかもしれない。それは前作『少年は残酷な弓を射る』でも同様だった。ただ、ラストの「一筋の光」のほうに重きがあるようには思えないのだ。というのも、『少年は残酷な弓を射る』も『ビューティフル・デイ』も、全体的には圧倒的に嫌な気持ちになる作品だからだ。
 この作品の日本版のタイトルは「ビューティフル・デイ」となっていて、これはニーナが外の景色を見てつぶやいた一言だ。それはあまりに唐突と言えば唐突で、逆説的な意味合いとも感じられた。たとえば「死ぬにはいい天気ね」とでも言っているかのように……。最後に「一筋の光」を見せているようでいて、そこまでの真っ暗闇を描きたかったというのがリン・ラムジーの本音なんじゃないだろうか。この暗さがちょっとクセになる。



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Date: 2018.06.07 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (2)
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新作映画(もしくは新作DVD)を中心に、週1本ペースでレビューします。

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