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『愛しのアイリーン』 国際結婚と姥捨て山

 原作は『ザ・ワールド・イズ・マイン』などの新井英樹の同名漫画。
 監督は『犬猿』『ヒメアノ~ル』などの吉田恵輔

吉田恵輔 『愛しのアイリーン』 岩男(安田顕)はフィリピンから嫁のアイリーン(ナッツ・シトイ)を連れて帰ってくる。

 新井英樹の漫画が映画化されるのは『愛しのアイリーン』が初めてとのこと(今年『宮本から君へ』がテレビドラマ化されたようだが)。それというのも新井英樹の漫画が万人向けではないというか、人の神経を逆撫でするようなものがあるからなんじゃないかという気もする。『愛しのアイリーン』もその例に漏れずアクの強い作品になっていて、テレビの地上波なんかでは絶対に放送することはないだろう。主人公が放送禁止用語を連発するからだ。
 そんな主人公の宍戸岩男(安田顕)はもう42歳。片想いの女性に対する幻想を打ち砕かれ、なかばやけくそになって嫁をフィリピンから連れてくる。その嫁・アイリーン(ナッツ・シトイ)はまだ18歳の処女。自分が金で買われたことはわかっているけれど、初体験は好きな人という夢も捨てきれてはいない。そんなアイリーンを岩男の母・ツル(木野花)はまったく認めようとはせずに……。

 どのキャラクターも強烈だけれど、特に岩男と母ツルの関係性もきわどいものがある。岩男を溺愛するツルは、岩男の夜な夜なのオナニーを覗いていて、きちんとした嫁をあてがうのに必死で策を練る。外国人の嫁など受け入れられないとばかりに、岩男をこっそり別の女性・琴美(桜まゆみ)に会わせてみたりもする。しかも琴美には睡眠薬まで盛っていて、岩男が眠った琴美に手を出して既成事実ができれば、それを理由にアイリーンを離縁しようと企んでいる。しかし、そんな企みが厄介なトラブルを招くことになる。
 監督の吉田恵輔は本作のなかの愛が、すべて片想いとなっていることをインタビューで指摘している。岩男は職場の同僚・愛子(河井青葉)に想いを寄せているし、ツルは岩男を溺愛している。日本にやってきたアイリーンはフィリピンの母親のことを想っているし、愛子は愛情ではなくてセックスを求めている。そんなふうにそれぞれの想いはすれ違っていく。

『愛しのアイリーン』 岩男の母ツルはアイリーンを受け入れずに猟銃で威嚇する。ツルを演じる木野花のテンションがすさまじかった!

 本作はとっかかりは嫁探しから始まるけれど、よくある嫁姑問題を超えて変な方向へと転がっていく。主人公・岩男が途中で退場した後は、ツルとアイリーンのふたりが残される。そして、『楢山節考』などでも描かれた「姥捨て山」が主題として浮かび上がってくる。
 かつての日本では、働けなくなった老人たちが口減らしのために山に捨てられた。そんな伝説が「姥捨て山」のお話となっている(実際にそんな事態があったのかはともかくとして)。しかし、戦後の経済成長は日本に豊かさをもたらし、様々な事情で嫁の来手がない家では女をフィリピンなどの貧困に喘いでいる国から買ってくるまでに。ただ、逆にフィリピンで起きていることは、親や家族のために娘が犠牲になるということでもある。
 終盤でアイリーンとツルの間で和解のようなものが成立するのは、そんなふうに社会の犠牲者という点での共感だったのかもしれない(片や「姥捨て山」と、片や「国際結婚」という名の人身売買)。とにかく、ふたりとも姑にいびられながら宍戸家の子供を孕んだという点では一緒なのだ。
 ラスト、雪のなかを歩いていくアイリーンのその後のことはわからないまま終わる。だからこれを悲劇と見るべきなのか、ハッピーエンドと受け取るべきなのかは曖昧とも言える。しかし、個人的には希望があるものに感じられた。
 この作品では男どもは、皆、あっさり退場していく。岩男の父親(品川徹)はボケたまま死んでしまう。アイリーンを誘拐しようとしたヤクザ者(伊勢谷友介)は岩男の逆襲に遭って退場。そして岩男自身もアイリーンへの気持ちを木に刻みつけ自滅して退場していく。
 一方で女性陣はしぶとく生き残っていく。愛子は暴力夫に苦しみつつもセックスを楽しんでいるし、岩男を諌める関西弁が印象的なマリーン(ディオンヌ・モンサント)も売春しながらも生きている。ツルは宍戸家の大黒柱として、家族に手当たり次第に喚き散らす強い姑になって生きてきた。そして、アイリーンもフィリピンに帰るという選択肢だったあったはずなのに、日本に踏みとどまって生きている。彼女たちの境遇は恵まれてはいなくとも、決してそれに負けることなく生きている。「しぶとく」というのは称賛の言葉である。

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Date: 2018.09.21 Category: 日本映画 Comments (0) Trackbacks (0)

『寝ても覚めても』 朝子の自己欺瞞から解釈してみると

 上映時間が5時間を超えるという『ハッピーアワー』という作品で高い評価を受けた濱口竜介の商業デビュー作。
 原作は『きょうのできごと』などの柴崎友香の同名小説。

濱口竜介 『寝ても覚めても』 朝子(唐田えりか)はかつての恋人麦とそっくりな亮平(東出昌大)と出会い……。
 

 ある日、朝子(唐田えりか)はバク東出昌大)という男と出会い恋に落ちる。しばらくの幸福な時間の後、麦は突然姿を消してしまう。その2年後、朝子は麦と瓜二つの亮平(東出昌大の二役)と出会い……。

 ちょっと前に取り上げた『2重螺旋の恋人』での瓜二つの男は双子の兄弟という設定だったけれど、『寝ても覚めても』の麦と亮平はまったくの赤の他人である。しかもパーソナリティもかなり異なっている。
 麦はかなりマイペースな人間で、言ってみれば異世界にいる人間であり、一度消えた後には芸能界という別世界に現れる(ちなみに原作者は『ユリイカ』のインタビューで麦のことをエイリアンに例えてもいて、そんな意味では『予兆 散歩する侵略者 劇場版』でもエイリアンが似合っていた東出昌大がうまくはまっている)。一方の亮平は常識人であり、他人のことなど考えず急に消えてしまったりする麦とは違い、他人に対する思いやりに溢れた男だ。
 常識的にはつき合うなら亮平のほうが真っ当と思えるけれど、朝子が亮平に興味を持ったのはそもそも麦がいたからで、オリジナルの麦に対して亮平はどこか偽物のようにも感じられるのかもしれないし、見た目が同じなら誰でもいいというのは愛と言えるのかというためらいもあったのかもしれない。

◆なぜ朝子は非常識なのか?
 この作品は朝子の経験する長い時間が追われていき、舞台となる場所も変わっていく。大阪での麦との出会いの後、2年後に東京で亮平と出会う。そして震災という出来事を挟み、5年が経過し、亮平の転勤を機に大阪で結婚するという運びになる。しかし、そこに麦が戻ってきて話がこじれることになる。
 不思議なのは最後の怒涛のような展開も、それを引き起こすことになる朝子の心情をまったく説明しようとはしないところ。朝子は麦に連れられ一度は亮平のもとを去りながらも、途中で翻意して戻ってくる。この朝子の行動は非常識なものだ。もともとふわふわして捉えどころのない朝子だけれど、非常識な行動にまで至る心境の変化はわからないのだ。朝子役の唐田えりかは役者としては素人同然ということもあり、微妙な感情の揺らぎなんかを表現させようという演出意図は最初からないと思われる。
 ちなみに原作小説においてもそれは同様で、原作を読むと朝子の心情が手に取るようにわかるというわけではない。ただ、原作では麦と亮平が似ているということ自体が朝子の主観に過ぎなかったということも書かれている。原作では、朝子の友人・春代曰くふたりは全然似ていないということになり、つまりは朝子の勘違いだったとも読めるのだ。しかし、映画のなかでふたりを演じるのは東出昌大であり、映画のなかの春代(伊藤沙莉)は麦と亮平がそっくりなことに驚いている。つまり映画版ではふたりは誰が見てもそっくりという設定であり、原作以上に朝子の翻意が理解しづらいとも言える。
 理解しづらいからダメだと本作を否定しているわけではない。亮平をお化けでも見たかのようにあしらう朝子を微笑ましく感じ、後半の朝子の行動に驚かされつつ、亮平を追っていく朝子を捉えたロングショットには陶然となった。にも関わらず、どこがよかったと表現する術がなかったのだ。何だかわからないけど魅力的と評するだけでは芸もないので、本作がどんなふうに出来ているのかを考えてみようと思う。以下は、原作と映画で違っている部分を中心にして、脚本も手がけている濱口竜介がどんな構成でこの作品をつくっていこうとしたのかということを検討してみたものである。

『寝ても覚めても』 ラスト。ふたりの目の前には川があり、亮平は「きたない川」と評するのに対し、朝子は「でも、きれい」と応える。『マクベス』の台詞なんかを思わせなくもないが、どんな意味が込められているのだろうか?

◆『野鴨』について
 最初に注目したいのが映画だけに登場するイプセン『野鴨』という戯曲である。岩波文庫版の解説にはこんなふうにある。

人間はどれだけ「真実」に耐え得るのか。うそ偽りの上に幸福は築けないと考えるグレーゲルスは、ささやかながら平穏な生活をおくるエクダル家を欺瞞の泥沼から救いだそうと「真実」をつきつける。


 『野鴨』で「真実」と言われているのは、エクダル家の秘密である。この秘密が隠されていることによってエクダル家は平穏でいられた。しかし「真実」が暴露されると、それはあまりに耐え難く、エクダル家は悲劇に見舞われる。正義病のグレーゲルスは親切心から「真実」をつきつけるけれど、それはエクダル家を崩壊させてしまうことになる。ここで明らかになるのは人生には時には「嘘」も必要だということだ。
 また、重要なのは「嘘」は他人を騙すためのものばかりではないということ。加えて、自らを欺くこと(=自己欺瞞)も「嘘」の一種だということだ。エクダル家のヤルマールは「発明をする」という「夢」によって退屈な日々を生きている。また、敗残者であるヤルマールの父親は、自宅裏の森でクマを狩っているという「妄想」のなかにいる(実際はウサギを狩っているだけなのに)。ここでの「夢」や「妄想」は、「嘘」とほとんど同義語として機能している。つまり人から「嘘」を取り上げれば幸福に生きていくこともできないということなのだ。

◆朝子の抱える自己欺瞞
 さて、ようやく『寝ても覚めても』に戻る。朝子の「嘘=自己欺瞞」がどこにあるかと言えば、亮平が麦の代わりでしかないのかもしれないということだろう。これは麦が消えてしまった状態では確かめようもないことでもある。しかし、亮平と一緒の場所に麦が現れることで、朝子には自分の抱えた欺瞞に向き合うことができることになる。そのために朝子は一度亮平を裏切り、麦と逃避行する必要があったのだ。そして、その逃避行で明らかになるのは、朝子が選ぶべきなのが亮平であったということだ(この選択に理屈はなく、「愛」ゆえなのだろう)。
 次の展開において奇妙なのは朝子が亮平のもとに戻る前に、岡崎(渡辺大知)の家に寄ることだ。ちなみにこれも原作にはないエピソードである。岡崎は大阪時代の友人であり、現在は難病によって動けない状態にある。久しぶりの再会に朝子は涙するのだけれど、この涙は岡崎のための涙ではない。かつて仲良くしていた岡崎の病気を前にしても、朝子が考えているのは自分のことばかり。それでも友人みたいな振舞いをしてみせている。そんな自己欺瞞に気づいたための涙だったのだ。この気づきによって、今まで自分の気持ちに曖昧なまま亮平と付き合っていたという欺瞞への認識を新たにしたのだろう。
 ちなみに本作の英語版のタイトルは「Asako I & II」となっている。つまり本作では朝子のヴァージョンⅠとヴァージョンⅡが描かれているということであり、ここを境にして朝子は生まれ変わったということになるんじゃないかと思う。朝子は自分が抱えていた欺瞞を振り払い、何の疑問を感じることもなく亮平のもとへと行くことができるのだ。

◆『野鴨』と『寝ても覚めても』の差異
 ここで振り返ると、『寝ても覚めても』は『野鴨』の結論とは違うところにたどり着いていることがわかる。朝子は自らの欺瞞に気づく。つまりは真実を見つめている。どちらも自己欺瞞と真実がテーマとなっているが、『野鴨』が欺瞞も必要だと言うのに対し、『寝ても覚めても』は真実に重きを置く。
 だから、震災のあとの亮平は、中止になってしまった舞台『野鴨』の立て看板をきちんと立て掛けるのではなく、横倒しにしたままその場を去る。つまりはここでは『野鴨』の結論をそのままなぞるわけではないことが示されている。
 また、『寝ても覚めても』では自己欺瞞が主題となる場面がもう一つ用意されている。マヤ(山下リオ)とクッシー(瀬戸康史)の出会いの場面だ(これも原作にはないエピソード)。マヤが登場する舞台の録画を見せられたクッシーは、なぜかマヤのことを非難する。というのも、実はクッシーも元演劇人であり、自分があきらめた夢をマヤが追い続けているのに嫉妬したのだ。それでもクッシーはその自己欺瞞を認めることで、のちにマヤと結婚することになる。ここでも真実のほうが重要視されている。
 もともと『野鴨』の発端は、正義病のグレーゲルスが「真実の上に築く幸せ」を求めたお節介にあった。そして、平均的な人間にはそれは難しいというのが『野鴨』のなかでの結末だ。しかし、平均的ではない人間ならばどうだろうか。強い人間ならば真実に耐えられるかもしれない。『寝ても覚めても』はそんな強い人間を描こうとしていて、だからヴァージョンⅡの朝子は強い(平均的な観客としてはここが理解しづらいところと言えるかもしれない)。ふわふわして捉えどころのなかったヴァージョンⅠの朝子とは違う存在なのだ。
 だからそこから先の朝子の亮平に対する態度は驚くほど決然としたものになる。「亮平に謝りたい。でも、どんなに謝っても謝りきれない。そんなことをした。だから、謝らへん」という朝子の台詞はそれをよく示している。亮平と麦を天秤にかけるような欺瞞からは脱した朝子だからこそ、突き放そうとする亮平に対してもまっすぐに立ち向かうことができたのだ。
 こんなふうに本作を朝子の自己欺瞞からの快復の物語として見ると、映画版は原作にはないエピソードをあちこちに配置した独自の脚本になっていることがわかる。こうした綿密な構成があるからこそ、説明的な台詞など必要なかったということなのだろう。本作は約2時間で終わってしまうけれど、個人的には朝子が亮平に追いすがって必死になるあたりをもっと見ていたかったという気もする。話題になっていたのは知っていたけれど、長時間の上映にしり込みしていた前作の『ハッピーアワー』も是非とも観たくなってきた。

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ユリイカ 2018年9月号 総特集=濱口竜介 ―『PASSION』『ハッピーアワー』『寝ても覚めても』・・・映画監督という営為―


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Date: 2018.09.12 Category: 日本映画 Comments (0) Trackbacks (3)

『きみの鳥はうたえる』 輝くクソを眺めること

 原作は『そこのみにて光輝く』『オーバー・フェンス』などの佐藤泰志の同名小説。
 監督は『Playback』『密使と番人』などの三宅唱
 タイトルはビートルズの曲「And Your Bird Can Sing」の直訳。映画のなかではこの曲が使われることもないけれど、登場人物の心情とその歌詞はよく合っている気もする。

三宅唱 『きみの鳥はうたえる』 “僕”(柄本佑)と同居する静雄(染谷将太)。その間にいるのが佐知子(石橋静河)。

 函館郊外の本屋で働く“僕”(柄本佑)と同居する失業中の静雄(染谷将太)。そんなふたりの間に入り込んでくるのが、“僕”の職場の同僚の佐知子(石橋静河)。
 たまたま同じ日に公開となった『寝ても覚めても』が10年近くの長い時間の経過を描いたものだとすれば、『きみの鳥はうたえる』のほうは現在進行形の時間を体験させてくれるような作品だと言える。
 最初に“僕”と佐知子の関係が描かれ、そこに“僕”の同居人の静雄も加わる。3人が集まり、ただ酒を飲み、タバコを吸い、ビリヤードや卓球に興じ、踊る。特にクラブで佐知子が踊るシーンは即興的に撮られているものと思え、それをカメラは延々と捉えていく(佐知子を演じる石橋静河はコンテンポラリーダンサーでもあったらしい)。

『きみの鳥はうたえる』 3人は夜通し飲み歩く。実際に飲んで撮影しているところもあるのだとか。

 三宅唱監督は『映画芸術』でのインタビューではこんなことを語っていた。とてもうまい言い方だと感じたので引用しておく。

誰にでも朝まで飲まなきゃやってられないような夜ってあると思うのですが、だからなのかはわかりませんけど、夜明け頃の街にいる人たちって、なんというか、輝くクソという感じで、僕はそれを眺めるのが好きですね。(下線は引用者)


 作品内でも3人は朝まで飲み歩く。そういう姿は傍目には醜悪なものとも見えるけれど、本人たちにとっては酔いもあってとても楽しそうでもある。延々と続くクラブのシーンなんかは人によっては醜悪なものを感じるのかもしれない。ただ三宅監督はそうした場面を眺めるのが嫌いではないわけで、上記の言葉のあとには「自分もその一部だなあと思える」と語っている。それでもどこか醜悪なものがあることも感じているわけで、だから「輝くクソ」といった表現になるのだろう。

 この作品では3人がひたすら楽しく過ごす時間が描かれ、面倒なことは避けられている。“僕”と佐知子が最初に関係するときも、「面倒くさいことはイヤ」ということを互いに念を押している。それから静雄は飲みすぎる母親(渡辺真起子)との会話のなかでボケたり病気になったりして面倒になることを心配してもいる。
 「遊んだり飲んだりして何が悪いの?」(*1)という台詞通りに3人は楽しく過ごしていくわけだけれど、どうしても避けがたいことに面倒はやってくることになる。佐知子は“僕”と別れて、静雄と付き合うことを宣言するし、静雄には母親の病気の知らせが届く。
 この作品は面倒なことが決定的に始まる前に終わってしまうけれど、ラストを飾るのは佐知子の何とも言えない表情。これまで終始「輝くクソ」を眺めてきた観客としては、この作品に対する評価に関しても微妙なものを感じる瞬間もあったのだけれど(だって輝いていてもクソはクソだし)、最後の佐知子の表情ですべて報われたような気もした。その曖昧な表情からはその後の展開を推測することは難しいけれど、楽しかった時間の終わりを感じさせる絶妙なラストだったのだ。
 “僕”は本屋の同僚店員・森口(足立智充)にその不誠実さを責められる。“僕”は面倒くさくてあまり相手にしないのだけれど、森口は他人が楽しくしているのがうらやましくて耐えられないというタイプ。そんな森口も本屋の店長(萩原聖人)に情けをかけられて飲み歩く夜はとても楽しそう。その姿はまさに「輝くクソ」といった感じで、この作品はそんな時間が捉えられているところが素晴らしいのだ。とにかくラストを観るだけでも映画館に行く価値があるんじゃないかと思う。

 80年代に書かれた原作を現在に時を移しての映画化で、クラブで使われている音楽はヒップホップなのだけれど、3人のたたずまいは昭和のそれっぽい感じもある。路面電車が走っている函館という街も昔ながらの風情があるのかもしれない。
 魅力的に佐知子を演じた石橋静河は、落ち着いたトーンの声といい、すでに貫禄すら感じさせるくらいだったと思う。

(*1) この台詞はどこか「気分が良くて何が悪い?」という村上春樹の本に出てくる言葉を思わせなくもない。原作者の佐藤泰志と村上春樹は同い年だったらしく、その当時の感覚が似たような台詞として登場しているのかもしれない。ちなみに私自身は原作を読んでいないのだけれど、原作ではさらにその続きが描かれているらしい。

きみの鳥はうたえる (河出文庫)


映画芸術 2018年 08 月号 [雑誌]


Date: 2018.09.08 Category: 日本映画 Comments (0) Trackbacks (2)

『カメラを止めるな!』 観客を楽しませるサービス満載の娯楽作

 監督&俳優養成スクール・ENBUゼミナールの《シネマプロジェクト》第7弾作品。
 監督・脚本・編集はこの作品が劇場用長編デビュー作となる上田慎一郎
 新宿K's cinemaおよび池袋シネマ・ロサという2館での限定的な公開だった作品だが、SNSなどで人気が広がり全国100館以上で上映されることになったという話題の作品。

上田慎一郎 『カメラを止めるな!』 日暮監督役の濱津隆之と、劇中劇の主役の女の子を演じる秋山ゆずき。

 冒頭から37分間に及ぶワンカット撮影でのゾンビ映画「ONE CUT OF THE DEAD」が始まる。この映画はゾンビ映画を撮影に来ていた製作陣たちが本物のゾンビに襲われるという話。いかにもチープな作りとなっているのは「低予算だから仕方ないのかな」なんてことも感じさせつつ進んでいくのだが、どこかで違和感もある。意味のない会話のやりとりや、妙に間延びした部分があるからだ。ただ、後半になってその理由が明かされる一気に謎が氷解してスッキリさせてくれる。さらには映画愛や家族愛なんかも感じさせる部分もあり感動的ですらあった。とにかくヒットするのも納得のエンターテインメント作品となっていたと思う。

 ※ 以下、ネタバレもあり! ネタバレ厳禁の展開についても触れているので要注意!!


『カメラを止めるな!』 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」の1シーン。監督役の濱津隆之はカメラに向かって「カメラは止めない」と宣言する。

 この作品は3部構成となっていて、第1部のゾンビ映画「ONE CUT OF THE DEAD」が終わると、時間は1カ月前の出来事に遡る。「ONE CUT OF THE DEAD」の製作が日暮隆之監督(濱津隆之)に持ち込まれるところから第2部ということになる。
 日暮監督のウリは「早い、安い、質はソコソコ」というもので、映画製作は好きだけれど、妥協しながら生きている男なのだ。今回のゾンビ映画はテレビ用の作品としてワンカットでしかも生中継として放送されるということに決定している。「作品よりも放送のほうが大事」というプロデューサーにとって、「質はソコソコ」でも放送できる堅実な作品をつくってくれるであろう日暮監督が選ばれたということになる。
 さらに第3部では実際に生中継で放送される「ONE CUT OF THE DEAD」の裏側が垣間見られることになる。これによって冒頭で見ていた「ONE CUT OF THE DEAD」がまた別のものに感じられてくるというところが『カメラを止めるな!』のおもしろいところなのだ。

 劇中劇である「ONE CUT OF THE DEAD」にも登場する日暮監督は、役者陣をどなり散らす暴君として振舞っていた。しかし、第2部で明らかにされる日暮監督の実像は、腰が低くて役者やプロデューサーに何も言うことができない妥協だらけの人間だということがわかってくる。それがたまたま監督役の役者のトラブルにより、日暮監督自身が劇中劇でも監督を演じることになる。そのなかでアドリブ的に出てきてしまったのが、役者陣を罵倒する言葉だったというワケだ。劇中劇での暴君監督ぶりが、第3部で撮影の裏側を見ると好き勝手なワガママを言っていた役者陣に対する意趣返しとなっていたことがわかって一気にスッキリさせるのだ。
 映画製作の裏側を見せる作品というのは色々あるけれど、この作品がおもしろかったのは映画が脚本という大元の構想はあっても、様々なアクシデントに対する臨機応変な対処や現実的な妥協との間の葛藤のなかでできあがっていくところを見せてくれたところ。実写映画では偶然の出来事が映り込んでしまう場合があるというのがおもしろいところで、すべてをコントロールしてつくりあげていくアニメやCGとは違ったよさがあるのだと思う。
 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」は生中継という1回限りのものという設定。だからこそやり直しは効かないわけで、もともとの脚本とは違うものになっていく。それでも製作陣の頑張りと、加えて監督の奥さんと娘の協力によって、何とか作品として成り立っていくあたりが何とも感動的なのだ(奥さんのほうはかえってトラブルを引き起こすことにもなるのだが)。そして最初に感じていた劇中劇に対する間延び感も、その裏側を知ることになると作品を成立させるためのギリギリのサスペンスとして機能してくるあたりがよく出来ていた。このうまさが、一度見た観客をさらに繰り返し劇場へと足を運ばせることになっている要因なんじゃないだろうか。

 メタ・フィクションのレベルで言えば、劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」のメタのレベルに映画作品としての『カメラを止めるな!』があるという構造だけれど、さらにエンディングでは『カメラを止めるな!』を製作するスタッフの姿も映し出されている。
 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」の日暮監督役は濱津隆之という役者さんだが、『カメラを止めるな!』の監督は上田慎一郎監督。それと同じようにカメラマンも複数登場する。劇中劇を撮影しているのは腰痛持ちの男性カメラマンとその助手の女の子(浅森咲希奈)。しかし男性カメラマンは途中で腰痛の影響でダウンし、助手にバトンタッチする。劇中劇ではカメラが地面に放置され、ここでカメラマンが交代したという設定になっている(撮影のタッチも変化するあたりも芸が細かい)。
 しかしエンドロールでの映像を見ると、別の事情が見えてくる。『カメラを止めるな!』のカメラマンとしてクレジットされている曽根剛は、この場面でカメラを地面に置いて休憩しつつ水分補給をしているのだ。というのも、37分間という長時間役者を追いかけ続ける重労働のために、中休みとしてそれが必要とされていたということなんだろう。
 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」撮影の裏側を見せてくれる『カメラを止めるな!』第3部に対して、『カメラを止めるな!』撮影の裏側を見せてくれるのがエンドロール映像だということになる。なかなか複雑なメタ構造になっているわけだが、そんな裏側をさりげなくエンドロールでそれを見せてくれるサービスにも、観客を楽しませようという監督の心意気が感じられた。低予算でもこんな楽しい作品を作り上げてしまう上田監督の映画愛もひしひしと感じた。
Date: 2018.08.19 Category: 日本映画 Comments (0) Trackbacks (8)

『君が君で君だ』 幻想を捨てて現実に生きる?

 監督は『私たちのハァハァ』『アズミ・ハルコは行方不明』などの松居大悟で、脚本も松居大悟が長年温めてきたオリジナルとのこと。
 タイトルは登場人物が合唱する尾崎豊「僕が僕であるために」を受けてのものかと思われる。

松居大悟 『君が君で君だ』 坂本竜馬(大倉孝二)、尾崎豊(池松壮亮)、ブラッド・ピット(満島真之介)になったつもりの三人。
 
 わかりやすくこの作品を紹介するとすれば、ストーカーを描いたものということになるのだろうと思うのだけれど、実際にこんなストーカーがいるのかどうかはわからない。登場する三人の男たちは、ソン(キム・コッピ)という韓国人の女性を好きになり、彼女の家の向かいに住み込み、彼女を監視するストーカー行為を続ける。その間、なんと10年間。
 さらに風変わりなのは、彼らは自分の名前すら捨てて、ソンが好む人物に成りきって生きていること。ひとりはブラッド・ピット(満島真之介)に、ひとりは坂本竜馬(大倉孝二)に、ひとりは尾崎豊(池松壮亮)になったつもりなのだ。というのもソンはブラピのような顔が好きで、坂本竜馬のような生き方に憧れ、尾崎豊の歌をよく聴いていたから。
 そんなふうに彼女の好きな人物に成りきったとしても無駄とすら思えるのは、彼らはソンを遠くから見守るだけで干渉しようとはしないから。ソンを見守り、彼女と一緒のことをして彼女に同化しようとし、彼女の気持ちを知ろうとはするものの、彼女と接触を試みるのは避けているのだ。

 ↓ キム・コッピ演じるソンは映画のなかでは「ブスなのに」とか言われているけれど、実は松居監督のお気に入りらしい。



 松居大悟の作品ではどこかとち狂った人が登場することが多いけれど、『君が君で君だ』はオリジナル作品だけあって主要三人のこじらせ方が異様だった。そもそもの始まりはプラピがソンのことが気に入ったからで、尾崎豊はそれを見守るような立場だった。しかしそこにさらにソンの元彼だった坂本竜馬まで加わって、姫と呼ぶソンの日常を垣間見ては悦に浸るという監視生活を続けてきたらしい。
 ソンに干渉することを禁じているのは、そうすることで長らく続いてきた監視生活が壊れてしまうことを恐れていたのかもしれない。実際にソンのピンチに三人が干渉してしまったことで、そうした関係性が壊れていくことになる。
 ソンは現在のクズ彼氏・宗太(高杉真宙)の借金を肩代わりする羽目になっているのだけれど、その借金取りたち(YOU向井理の二人組)はソンのことを監視している三人からも金を取り立てようと部屋に乗り込んでくる。そして素朴な疑問として「何のためにそんなことをしているのか」と聞いてみるのだが、三人の答えは「姫を守っている」などと言いつつも、借金のためにソンがピンサロで働くことすらも止めようとしないわけで、三人が何を守っているのかはよくわからないのだ。

 そもそも最初は何をしたかったのか。それがわからなくなっているのに、それに気づかないフリをしている。もはや意味不明だが、やり始めたからやる。わけがわからないけどもはや止められない。男のこじらせ方にはそんなところがあるというのは何となくわかる気がする。
 この三人の男たちの壊れ方はすさまじくて気味が悪いほど。ただ、それを通り越すと次第におもしろくなってきて、彼らが愛おしく感じられるかもしれない。もちろん三人を受け入れ難いという人もいるだろう。そもそものきっかけをつくったブラピですらも、尾崎豊がソンの切り落とした髪を食べるという段になって目が覚めるように、彼らにドン引きするかもしれない。それまではブラピに追随していたようにも見えた尾崎豊は、女性用の下着に身を包んだままモリモリ髪を食べてソンと同一化しようとするのだ。このシーンにはちょっと唖然とさせられた。

 一応の結末としては三人の幻想も終わりを告げることにはなる。しかし一方では、監督・脚本の松居大悟は幻想のなかで映画を終わらせたがっているようにも思えた。ラストでは尾崎豊がソンとひまわりの咲く場所で結婚式を挙げるという妄想が描かれるけれど、そこに留まることはせずにとりあえずは現実に着地する。ゴスロリの少女が主人公だった『ワンダフルワールドエンド』が、幻想のなか(桜と菜の花が咲く場所)で映画を終えていたのと比べると結末は抑制されている。というのは松居大悟にとって女の子自体がすでに幻想だからなのだろう。一方でこじらせた男たちを幻想のなかに放置するのはあまりにグロテスクすぎるという判断があったのかもしれない。もう若くはない男たちも幻想が崩壊することで現実を生きていくということになるのだろうか。松居監督は未だにちょっと逡巡しているようにも思えたのだけれど……。

ワンダフルワールドエンド [DVD]


Date: 2018.07.12 Category: 日本映画 Comments (0) Trackbacks (1)
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新作映画(もしくは新作DVD)を中心に、週1本ペースでレビューします。

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