『ラ・ラ・ランド』 ひとときの夢のような……

 『セッション』デイミアン・チャゼル監督の最新作。
 第89回アカデミー賞には史上最多タイの14部門でのノミネートという前評判の高い作品。

デイミアン・チャゼル 『ラ・ラ・ランド』 ミア(エマ・ストーン)とセブ(ライアン・ゴズリング)は街が見える丘の上で踊り出す。名作『バンド・ワゴン』をイメージしているらしい。

 原題の「La La Land」は、「LA」つまり作品の舞台となるロサンゼルスやハリウッドのことを指す。町山智浩によれば、「彼女はラ・ラ・ランドに住んでいるんだ」という使い方をすると、「彼女は夢見がちなんだ。現実を見ていないんだ」といったニュアンスになるらしい。
 『ラ・ラ・ランド』はそんな夢見がちな主人公たちの物語だ。ミア(エマ・ストーン)はオーディションを受けまくっているけれどまったく相手にされない女優の卵。セブ(ライアン・ゴズリング)は自分が好きな古臭いジャズの店をやりたいと考えているけれど、実際には資金もなくて退屈な音楽を弾く仕事に甘んじている。そんなふたりが出会って恋に落ちる。

 映画は所詮虚構なわけだけれど、ひとときの夢を与えてくれたりもする。そんな映画が好きだからこそ映画に関わる人もいる。ハリウッドはそんな人たちの街なのだろう。ミアが現実的で稼ぎもありそうな彼を棄ててまでセブのもとに走るのも、「Audition」という曲で「どうか乾杯を 夢追い人に」と歌い上げるのも、夢見がちな人に対する共感があればこそだろう。だからこそ『ラ・ラ・ランド』はハリウッドでとてもウケがいい。
 劇中では瀕死のジャズという言葉があるが、ミュージカル映画というのも今では瀕死の状態にあるらしい。この作品の製作も難航したようで、チャゼル監督が「資金集めをするときには、ミュージカルやジャズは、映画の要素として人気がないということを嫌というほど思い知らされたし、興行成績も見こめないと何度も言われた」と明かしている。
 それでもチャゼル監督は『セッション』でも題材としたジャズが好きなのと同じように、ミュージカル映画が好きなのだろう。ハリウッドが夢の世界をつくりあげる場所として君臨していた古き良き時代、『ラ・ラ・ランド』はそのころのミュージカル映画に対するオマージュに溢れていている。そんな王道のミュージカルを見事に復活させたからだろうか、アカデミー賞でも本命視されているとのこと。

『ラ・ラ・ランド』 ふたりは夜空高く舞い上がって踊る。まさに夢のようなシーン。

◆ふたりだけの夢の世界
 なぜミュージカル映画が瀕死の状態にあるのかといえば、登場人物が突然歌い出すという通常ではあり得ない設定に違和感を覚える観客が多いからなのだろう。個人的には冒頭のハイウェイ上のモブシーンは唐突でちょっと違和感を覚えた。
 ここでは渋滞に巻き込まれた人々がそのイライラを解消するかのように踊り出す。果てしなくつながる車列とその上で踊る人々を優雅に移動するカメラの長回しで捉えつつ、主人公ふたりのすれ違いまでを一気に見せてしまう手腕は見事なのだけれど、あまりに唐突で気分が盛り上がってこないのだ。

 ミュージカル映画で登場人物が歌い出すのには理由があるはずで、それは何かしらの感情が湧き上がってきたからだろう。それによって舞台は現実から非現実的な夢の世界へと移行し、登場人物はその感情を歌に込め、踊りとして表現する。だから観客を主人公たちの感情に惹きつけることができれば、歌い出すことも不自然ではなくなるのだ。
 ミュージカル映画では主人公たちが歌う必然性が最初から設定されている場合もある。たとえば『ムーラン・ルージュ』のように主人公がキャバレーの踊り手とその曲の作り手だったとすれば、主人公たちが歌い出すのに何の不思議もない。ただこれはミュージカル映画独特の現実から夢の世界への移行という部分がない分おもしろみにも欠けるのかもしれない(『ムーラン・ルージュ』は大好きだけれど)。
 この作品ではミアとセブが出会ってからの展開には惹き込まれた。再会したふたりがそれまでのすれ違いもあって微妙な駆け引きをしながらも近づいていき、街を見下ろす丘の上で踊り出すころにはすでに夢の世界にどっぷりと浸っていた。

 ふたりが恋に落ちると、そこにはふたりだけの夢のような世界がある。ふたりが見つめあうと周囲は暗くなり、周りの人の存在も消え失せ、世界はミアとセブのふたりだけになる。そして、ふたりは歌い踊る。こうした設定はミュージカル映画だからこそで、夢の世界では星がきらめく夜空まで舞い上がることでさえも可能になる。
 ただ現実はやはり厳しくて、夢を追うことには犠牲が必要だ。ラストではふたりそれぞれが夢を実現しているわけだけれど、それによって失ったものもまた大きかったとも感じさせる。5年ぶりに会ったふたりの視線が交錯する瞬間が何とも切なくて涙を禁じ得なかった。

◆アカデミー賞の結果発表
 レビューをアップするのにもたついていたらアカデミー賞の結果が出てしまったようだ。大方の予想を覆し、作品賞は『ムーンライト』だった。『ラ・ラ・ランド』は監督賞と主演女優賞と、歌曲賞(「City of Stars」)・作曲賞(ジャスティン・ハーウィッツ)・撮影賞(リヌス・サンドグレン)・美術賞を獲得した。6部門受賞というのは立派だが、前評判では作品賞も確実視されていたようだし大波乱といった印象。しかも何の因果か進行側の手違いで最初は『ラ・ラ・ランド』の名前が読み上げられてしまい、その後に撤回されるという前代未聞の出来事まで起こってしまったらしい。製作陣はひとときの夢にぬか喜びということになったわけだ。
 『ムーンライト』はまだ日本では公開されていないから詳細はわからないけれど、黒人が主人公で製作総指揮にはブラッド・ピットということで『それでも夜は明ける』のようなシビアな話が予想される。アカデミー賞は娯楽作よりもメッセージ性のあるものを選びがちだから順当なのかもしれないけれど、「アカデミー賞は白人偏重だ」という批判もあったようだからそのあたりが影響しているのかどうか……。個人的には夢のある作品が作品賞になったっていいと思うのだけれど。

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Date: 2017.02.28 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (12)

『セッション』 男同士の戦いの到達点を体感せよ

 第87回のアカデミー賞において助演男優賞(J・K・シモンズ)・編集賞・録音賞の3部門を受賞した作品。
 監督・脚本は『グランドピアノ 狙われた黒鍵』の脚本を担当していたデイミアン・チャゼル。原題は「Whiplash」。これは劇中に使用されるジャズの曲名で、「むち先のしなやかな部分」のことを指す。

デイミアン・チャゼル 『セッション』 J・K・シモンズ演じるフレッチャーはニーマンに檄を飛ばす。


 全米屈指の音楽院に入学したアンドリュー・ニーマン(マイルズ・テラー)は、ある日、フレッチャー教授(J・K・シモンズ)の目に留まり彼のスタジオ・バンドに誘われる。最初は褒めるような言葉ももらしていたフレッチャーだが、練習に入るとニーマンのドラムにダメ出しを連発し、ニーマンを追い込んでいく。

 冒頭、ニーマンでフレッチャーとの出会いが描かれるが、ここでは向かい合ったふたりを真正面からの切り返しショットで捉えている。次のエピソードでニーマンが父親と鑑賞する映画が『男の争い』(ジュールス・ダッシン)であることからも、この作品は麗しい師弟関係など描くつもりなどなく、男同士の戦いがテーマであることを示している。
 とにかくJ・K・シモンズ演じるフレッチャーが登場すると場面が締まる。足音からして正確なリズムと刻んでいるようでもあり、手の動きだけでバンドの動きを操り、時計の音が聞こえるほどの静寂までを演出する。そしてメンバーを罵倒するときの圧倒的なテンション! J・K・シモンズはサム・ライミ版『スパイダーマン』の編集長役で知られるが、この作品ではまさにはまり役で助演というよりは主演と言ってもいいくらいだ。

 その一方でフレッチャーが登場しない場面、たとえばニーマンが女の子を誘ってデートするところなどは間延びした感がある。ニーマンは女の子との楽しい時に惹かれもしたものの、幾分退屈もし、ジャズの世界(=フレッチャーとの戦い)へのめり込んでいく。
 ニーマンは音楽的才能があるけれど、彼の家族でそれを理解する人はいない。家族たちは食事となごやかな会話を楽しみ、平穏無事で長生きするという普通の生活が大事なのだ。フレッチャーからはそんな家族は「負け犬」呼ばわりされる。偉大なジャズマンになりたいニーマンにとっても、そんな家族は歯がゆいものであり、ニーマンは「偉大さ」と「平穏さ」を秤にかけて、「偉大さ」を選ぶ。だからデートにまでこぎつけた彼女もあっさりと捨ててしまう。
 一般的にジャズの世界は選民意識が強いとされるようだ。劇中でも「無能なやつはロックへ行け」という言葉が掲げられている。そんなわけで本作は選ばれた人を称揚し、市井の人々の幸せなどコケにするという、なかなか毒のある作品なのだ。

『セッション』 不敵な笑みを浮かべるフレッチャー。

 フレッチャーの指導が音楽的に正しいのかどうかは素人目にはわからないけれど、劇中の生徒たちでさえも何が正解であるのかをわかっていないようにも見える。ニーマンはドラムのテンポの違いで延々と責められる。フレッチャーの難癖のつけ方は音楽的に正しいかどうかよりも、相手を追い込むことに主眼がある。奏者の限界を越えてさらなる高みへ導くことがフレッチャーの意図だ。
 失敗に対し「Good Job(上出来だ)」などとお茶を濁してしまったらそれで終わってしまう。フレッチャーが語るチャーリー・パーカーのエピソードのように、失敗にシンバルを投げつけられたとしても、本物ならめげることはない。必ず這い上がってくる。そんな信念みたいなものに基づいている。
 スタジオ内のフレッチャーは生徒にとっては神のような存在なのだ。“選民”とは神から選ばれたということであり、この作品ではフレッチャーが選ぶ側の役割を果たしている(ちなみにニーマンはユダヤ人)。神の御心が人間ごときには測りかねるように、フレッチャーの指導も何が正しいことなのかは測りかねる。それでも自らが選ばれた人だと思うならば、神のように振舞うフレッチャーに喰らいついていくしかない。
 ただラストへの展開で明かされるフレッチャーの本性を見ると、神と言っても狂った神であり、単なる人格破綻者だったとも思えるのだが、それは措くとしてもラストの対決はやはり圧倒的だったと思う。

 ニーマンを潰しにかかるフレッチャーに対し、ニーマンは一度は父親の元へ逃げ帰るものの、結局は対決を挑む。そしてフレッチャーの指揮を無視して、バンド自体を乗っ取ってしまう。それからのニーマンのドラムソロの高揚感は凄まじいものがあった。「衝撃のラスト9分19秒!」というキャッチコピーもあながち大げさでもない。
 フレッチャーも最初はニーマンの反乱に怒り狂うが、それでも音楽に興がノッてくると話は別だ。途中、カメラがふたりの間を素早いパンで何度か往復するところがあるが、ここではそれまでのふたりの対決姿勢が、その時だけは共犯関係に変わったことを示しているのだろう。ニーマンはそれまでの限界を越え、フレッチャーを心から頷かせることに成功するのだ。フレッチャーにしても「第二のチャーリー・パーカーを育てたい」という言葉だけは真実だったと見え、最後の瞬間、ふたりの表情はひとつの到達点にある充実感に溢れていた。

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Date: 2015.04.21 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (14)
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