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『カメラを止めるな!』 観客を楽しませるサービス満載の娯楽作

 監督&俳優養成スクール・ENBUゼミナールの《シネマプロジェクト》第7弾作品。
 監督・脚本・編集はこの作品が劇場用長編デビュー作となる上田慎一郎
 新宿K's cinemaおよび池袋シネマ・ロサという2館での限定的な公開だった作品だが、SNSなどで人気が広がり全国100館以上で上映されることになったという話題の作品。

上田慎一郎 『カメラを止めるな!』 日暮監督役の濱津隆之と、劇中劇の主役の女の子を演じる秋山ゆずき。

 冒頭から37分間に及ぶワンカット撮影でのゾンビ映画「ONE CUT OF THE DEAD」が始まる。この映画はゾンビ映画を撮影に来ていた製作陣たちが本物のゾンビに襲われるという話。いかにもチープな作りとなっているのは「低予算だから仕方ないのかな」なんてことも感じさせつつ進んでいくのだが、どこかで違和感もある。意味のない会話のやりとりや、妙に間延びした部分があるからだ。ただ、後半になってその理由が明かされる一気に謎が氷解してスッキリさせてくれる。さらには映画愛や家族愛なんかも感じさせる部分もあり感動的ですらあった。とにかくヒットするのも納得のエンターテインメント作品となっていたと思う。

 ※ 以下、ネタバレもあり! ネタバレ厳禁の展開についても触れているので要注意!!


『カメラを止めるな!』 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」の1シーン。監督役の濱津隆之はカメラに向かって「カメラは止めない」と宣言する。

 この作品は3部構成となっていて、第1部のゾンビ映画「ONE CUT OF THE DEAD」が終わると、時間は1カ月前の出来事に遡る。「ONE CUT OF THE DEAD」の製作が日暮隆之監督(濱津隆之)に持ち込まれるところから第2部ということになる。
 日暮監督のウリは「早い、安い、質はソコソコ」というもので、映画製作は好きだけれど、妥協しながら生きている男なのだ。今回のゾンビ映画はテレビ用の作品としてワンカットでしかも生中継として放送されるということに決定している。「作品よりも放送のほうが大事」というプロデューサーにとって、「質はソコソコ」でも放送できる堅実な作品をつくってくれるであろう日暮監督が選ばれたということになる。
 さらに第3部では実際に生中継で放送される「ONE CUT OF THE DEAD」の裏側が垣間見られることになる。これによって冒頭で見ていた「ONE CUT OF THE DEAD」がまた別のものに感じられてくるというところが『カメラを止めるな!』のおもしろいところなのだ。

 劇中劇である「ONE CUT OF THE DEAD」にも登場する日暮監督は、役者陣をどなり散らす暴君として振舞っていた。しかし、第2部で明らかにされる日暮監督の実像は、腰が低くて役者やプロデューサーに何も言うことができない妥協だらけの人間だということがわかってくる。それがたまたま監督役の役者のトラブルにより、日暮監督自身が劇中劇でも監督を演じることになる。そのなかでアドリブ的に出てきてしまったのが、役者陣を罵倒する言葉だったというワケだ。劇中劇での暴君監督ぶりが、第3部で撮影の裏側を見ると好き勝手なワガママを言っていた役者陣に対する意趣返しとなっていたことがわかって一気にスッキリさせるのだ。
 映画製作の裏側を見せる作品というのは色々あるけれど、この作品がおもしろかったのは映画が脚本という大元の構想はあっても、様々なアクシデントに対する臨機応変な対処や現実的な妥協との間の葛藤のなかでできあがっていくところを見せてくれたところ。実写映画では偶然の出来事が映り込んでしまう場合があるというのがおもしろいところで、すべてをコントロールしてつくりあげていくアニメやCGとは違ったよさがあるのだと思う。
 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」は生中継という1回限りのものという設定。だからこそやり直しは効かないわけで、もともとの脚本とは違うものになっていく。それでも製作陣の頑張りと、加えて監督の奥さんと娘の協力によって、何とか作品として成り立っていくあたりが何とも感動的なのだ(奥さんのほうはかえってトラブルを引き起こすことにもなるのだが)。そして最初に感じていた劇中劇に対する間延び感も、その裏側を知ることになると作品を成立させるためのギリギリのサスペンスとして機能してくるあたりがよく出来ていた。このうまさが、一度見た観客をさらに繰り返し劇場へと足を運ばせることになっている要因なんじゃないだろうか。

 メタ・フィクションのレベルで言えば、劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」のメタのレベルに映画作品としての『カメラを止めるな!』があるという構造だけれど、さらにエンディングでは『カメラを止めるな!』を製作するスタッフの姿も映し出されている。
 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」の日暮監督役は濱津隆之という役者さんだが、『カメラを止めるな!』の監督は上田慎一郎監督。それと同じようにカメラマンも複数登場する。劇中劇を撮影しているのは腰痛持ちの男性カメラマンとその助手の女の子(浅森咲希奈)。しかし男性カメラマンは途中で腰痛の影響でダウンし、助手にバトンタッチする。劇中劇ではカメラが地面に放置され、ここでカメラマンが交代したという設定になっている(撮影のタッチも変化するあたりも芸が細かい)。
 しかしエンドロールでの映像を見ると、別の事情が見えてくる。『カメラを止めるな!』のカメラマンとしてクレジットされている曽根剛は、この場面でカメラを地面に置いて休憩しつつ水分補給をしているのだ。というのも、37分間という長時間役者を追いかけ続ける重労働のために、中休みとしてそれが必要とされていたということなんだろう。
 劇中劇「ONE CUT OF THE DEAD」撮影の裏側を見せてくれる『カメラを止めるな!』第3部に対して、『カメラを止めるな!』撮影の裏側を見せてくれるのがエンドロール映像だということになる。なかなか複雑なメタ構造になっているわけだが、そんな裏側をさりげなくエンドロールでそれを見せてくれるサービスにも、観客を楽しませようという監督の心意気が感じられた。低予算でもこんな楽しい作品を作り上げてしまう上田監督の映画愛もひしひしと感じた。
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Date: 2018.08.19 Category: 日本映画 Comments (0) Trackbacks (1)

『2重螺旋の恋人』 ダブルの妄想

 『婚約者の友人』『17歳』などのフランソワ・オゾン監督の最新作。
 主役には『17歳』のマリーヌ・ヴァクト。初々しい高校生役だった彼女だが、このときすでにいい大人だったらしく、今では一児の母だとか。
 原題は「L'Amant double」

フランソワ・オゾン 『2重螺旋の恋人』 クロエ(マリーヌ・ヴァクト)は原因不明の腹痛で精神科医に……。


 原因不明の腹痛によって精神科を受診することになったクロエ(マリーヌ・ヴァクト)は、その精神科医のポール(ジェレミー・レニエ)と同棲生活を始める。しかしポールには秘密があり、パスポートの名前は苗字が違っている。実はそれは母方の苗字だという……。そのころクロエは街でポールと瓜二つのルイ(ジェレミー・レニエの二役)という精神科医に出会う。

 ポールとルイは実は双子の兄弟だ。しかし、ポールはルイの存在をなかったかのように振舞っている。一方でルイはポールに対抗心を抱いているようでもある。ふたりの過去に何があったのか?
 ふたりは共に精神科医だが、診療方法は対照的だ。黙ってクロエの話を聞くことに徹するポールに対し、ルイは挑発的にクロエに接している。ポールはクロエとの関係が恋愛へと発展することになると、診療はできないという精神科医として誠実な対応をするが、ルイは診察室でクロエに迫るという無茶苦茶なことをやっている。そもそもふたりは性格からして対照的な双子なのだ。クロエはポールと同棲しつつも、なぜかルイの存在のことも気になってしまう。

 ※ 以下、ネタバレもあり!

『2重螺旋の恋人』 マリーヌ・ヴァクトはショート・カットになって一見すると美少年のようにも見える。

 『戦慄の絆』(デヴィッド・クローネンバーグ監督)あたりを思わせる双子の兄弟の間で揺れる女性という三角関係から始まり、双子の間に生じた確執の話へと移行し、さらにその先の予想もつなかいオチへ……。前作『婚約者の友人』「クラシカルな雰囲気を持つ作品」だったと書いたのだけれど、『2重螺旋の恋人』は一転してキワモノ的な作品となっている。
 言ってみれば、ほとんどすべてがクロエの妄想だったというオチになるわけだが、本作はクロエという主人公の妄想以外に、監督フランソワ・オゾンの妄想も交じり合っているんじゃないかとも思えるのだ。
 『17歳』でも美貌が際立っていたマリーヌ・ヴァクトを本作の冒頭でショートカットにさせたのはなぜか。断髪式の際のうらめしいような目付きと、その後の陰部の診察や精神科受診といった展開から性的虐待によるPTSDなのかと思っていたのだけれど、そうではないらしく結局のところは原因不明の腹痛ということらしい(この腹痛が最後のオチへとつながる)。
 マリーヌ・ヴァクト演じるクロエは本作ではほとんどパンツルックで、スタイルもこれ以上ないくらいの痩身で、どこか男性のようにも見える瞬間がある。オゾンは双子という要素に加え、同性愛的なものを付け加えたかったのかもしれない。
 双子のポールとルイはクロエを間に挟んでのセックスのなかで、兄弟同士でキスをするシーンもある。この場面はオゾン自身のかねてからの妄想を映像化したものらしい(どこかでそんなインタビューを読んだ)。同性愛者というのはナルシシズムと親和性が高いということなのだろうか?
 さらに奇妙だったのは、クロエがポールを相手に擬似ペニスまで使ってアナルを攻め立てるというマニアックなシーン。オゾンはこのシーンについて「支配と従属の関係性」を描いたものだと説明している(こちらのサイトを参照)。
 男女関係に「支配と従属の関係性」があるように、同性にだってそういう関係がある。そして、まったく同じ遺伝子を持つ双子にすらも「支配と従属の関係性」があるのだという。この指摘自体はおもしろいのだけれど、ポールとルイの間の「支配と従属の関係性」が描かれたというわけではなく、普通の男女の立場が逆転しているだけとも言える。男女の「支配と従属の関係性」を描くのだったらほかにも手段があるわけで、単純にオゾンのアブノーマルな妄想が映像化されているだけのようにも感じられるのだ。つまりオゾンはおもしろがっているのだ。
 その証拠に、ヒッチコックの『白い恐怖』の扉が開いていく場面のパロディのようなシーンがあるのだけれど、それを女性のアレで表現したりもしている。もちろん悪ノリ以外の何ものでもない。

 すべてが終わったあとのラストでクロエはポールと交わりつつ、その姿をもうひとりのクロエに見つめられている。セックス中の自分を自分が見つめているというシーンは『17歳』にも登場していた。このとき私は「自我の目覚め」といった解釈をしていたのだけれど、オゾンにとってこのシーンはもっと重要な何かが秘められているのかもしれない。キワモノ作品だけれどフランソワ・オゾンを精神分析するとしたら最適な作品なのかもしれない。

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Date: 2018.08.09 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (1)

『ミッション:インポッシブル/フォールアウト』 どこまで高みを目指すの?

 トム・クルーズ演じるイーサン・ハントが活躍する『ミッション:インポッシブル』シリーズの第6弾。
 監督・脚本は前作と同じクリストファー・マッカリー

クリストファー・マッカリー 『ミッション:インポッシブル/フォールアウト』 トム・クルーズ演じるイーサン・ハント。もはや宇宙に飛び出しそうなくらいに……。

 本作は前作を引き継ぐような形となっている。『ミッション:インポッシブル/ローグ・ネイション』で最後につかまえた悪役ソロモン・レーンが再登場し、同時にそのレーンの部下という設定で敵か味方かでイーサンを惑わせたイルサ(レベッカ・ファーガソン)というキャラも再登場する。さらに第3作で登場し、第4作でもちょっとだけ顔を出していたイーサンの妻ジュリア(ミシェル・モナハン)まで出てくるのもシリーズのファンには嬉しいところ。
 前作の飛行機にしがみつくアクションもすごかったのだけれど、今回はさらにその上を行こうと意気込んでいる。高度7,620メートルからのダイブとか、ヘリにしがみついてみたりとか、これでもかというアクションを堪能させてくれる作品となっている。
 さすがに意気込みすぎたのか撮影中に骨折したりもしたトム・クルーズ。実際にその骨折したシーンも劇中に使用されているのだけれど、その後のシーンではちょっと足を引きずっているフリをしているのはファンに向けたサービスということなのだろう。
 トム・クルーズはハリウッドを代表するスターであり、誰もが認めるほどのルックスだし、適当に仕事をしてもそれなりに地位を維持できそうなものだけれど、それでは自分が納得いかないのかすべてのアクションを自分でこなし、ヘリまで自ら操縦するというプロ意識にはすさまじいものがある。

『ミッション:インポッシブル/フォールアウト』 トム・クルーズは実際にヘリにしがみつくアクションまでこなしている。写真を見るだけで恐ろしい。

 ヘリで吊るされたりとか、ビルの間を飛び越えたりとか、バイクでパリの街中を逆走したりする危なっかしいアクションは製作陣としてはヒヤヒヤものだろうとも思えるけれど、トム・クルーズ本人がプロデュースも兼ねているからか気の済むまで徹底的にやっているようで、2時間半の長丁場もほとんど感じさせないほど盛りだくさんの内容になっている。
 どのアクションも見応えがあったのだけれど、前半のトイレ内での格闘が一番だろうか。このシーンではイーサン・ハントとウォーカー(ヘンリー・カヴィル)がジョン・ラークとされる男と闘うことになるのだが、ラークとされるアジア系の役者の動きがすごくて、2人を相手に立ち回りを演じて圧倒するのだ(一体この役者さんは誰だったのだろうか?)。
 こうなるとアクション俳優としてトム・クルーズに足りないのはカンフーの技術なのかもしれない。それさえマスターすればジャッキー・チェンになれるかも……。とはいえジャッキー・チェンはカンフーではトム・クルーズに負けないけれど、あのドタバタとした走り方はちょっとこのシリーズには合わないかもしれない。
 本作でもトム・クルーズは敵を捕まえるために全力疾走を披露しているのだが、走る姿がここまで絵になる人もなかなかいないんじゃないかと思う。CGばかりの映画が増えているなかでトム・クルーズは貴重な存在なのかもしれない。アクション映画好きには見逃せない1本。
Date: 2018.08.05 Category: 外国映画 Comments (2) Trackbacks (5)

『ウインド・リバー』 暑い夏にお薦めの1本

 脚本・監督はテイラー・シェリダン
 この人は『ボーダーライン』の脚本を書いた人で、今回が初監督作品ながら、カンヌ国際映画祭「ある視点」部門で監督賞を受賞した。

 “ウインド・リバー”とは先住民保留区(Indian reservation)の名前。「先住民のために取っておいた土地」と言うといい響きにも聞こえるけれど、実際には先住民であるネイティブ・アメリカンを豊かな土地から追い払い、不毛な土地に移住させたということだ。
 実際“ウインド・リバー”には何もない。何もないから地下核施設なんかが作られたりもしているらしい。さらにこの作品の冒頭に描かれるように、この土地はとんでもなく寒い場所らしい。氷点下30度までに下がった夜に外で走ったりすると、肺胞が凍ってしまって血を吐いて死ぬことになる。それほど人が住むには適さない場所ということだろう。
 “ウインド・リバー”の広さは鹿児島県くらいとのこと。ちなみに鹿児島県の警察官の人数を調べてみると約3000人くらいらしいのだが、“ウインド・リバー”の警察官の人数はたったの6人。たった6人で真っ当な仕事ができるのかといえばそれは無理な話で、事件などが起きてもうやむやになってしまう場合が多く、ある意味では無法地帯となっているのだ。

テイラー・シェリダン 『ウインド・リバー』 主人公のコリー(ジェレミー・レナー)と亡くなったナタリーの父親。先住民を演じるギル・バーミンガムがいい味を出している。


 人里離れた雪原の上で先住民の少女が死体となって発見される。その少女は雪原の上を裸足で何キロも走ってきたあげく、そこで息絶えたのだ。発見したハンターのコリー(ジェレミー・レナー)はその少女を知っていた。彼女はコリーの娘の親友だったのだ。

 事件のために派遣されたFBIはまだ新米の女性ジェーン(エリザベス・オルセン)だった。ジェーンは亡くなった少女ナタリー(ケルシー・アスビル)がレイプされているのを知り、殺人事件として処理しようとするのだが、実際の死因が肺胞の凍結による窒息死であることからそれもできない。結局FBIから応援要員は来ることもなく、ジェーンはその土地をよく知るコリーに援助を頼み、自分たちだけで犯人を見つけようとする。

『ウインド・リバー』 FBIのジェーン(エリザベス・オルセン)はこの土地の寒さも知らずに軽装で現れるのだが……。

 テイラー・シェリダンの脚本は犯人を捜すミステリーでありながら、先住民保留区の現実を描き、そこに生きる先住民が抱える問題を浮かび上がらせる。不毛な土地に囲い込まれた先住民は何もない場所で鬱屈して生きていくほかなく、ドラッグに逃避する人も多いようだ。
 さらに女性たちの置かれた状況もひどいものがある。女性はほかの地域よりも何倍もレイプされる率が高く、先住民の女性が非先住民の人間にレイプされても起訴されないことも多いのだという。
 主人公のコリーも半分は先住民の血が混じった娘を、ナタリーと似たような状況で亡くしている。しかし遺体はコヨーテによって食べられてしまったために事件として処理することもできなかったらしい。そんなことがあったからこそ、コリーはナタリーの事件に対して復讐心を燃やすことになる。

 テイラー・シェリダンは自分が脚本を書いた3作品を“フロンティア3部作”と位置づけている。これらの作品を観るとこれらフロンティアはある種の無法地帯で、自分の身は自分で守らなければならないという厳しい掟が支配している。
 だから『ボーダーライン』で法の遵守と正義の問題で悩んでいたケイトは、何も知らない観客の案内役の役割に留まるほかなかった(ちなみに『ボーダーライン』の続編ではケイトは登場しないようだ)。『ボーダーライン』の真の主人公は殺し屋であるアレハンドロで、彼は妻と娘の仇を討つために行動しているのだ。
 『最後の追跡』(劇場未公開だがネットフリックスにて配信中)では、銀行に土地を奪われそうになった兄弟が、それを奪い返すために銀行強盗という手段に出る。ここでのフロンティアとは経済の領域で、たとえば『ドリーム ホーム 99%を操る男たち』のようにリーマン・ショック後に銀行が貧乏人から土地を奪い取っていくという事態が背景にある。
 『ウインド・リバー』の世界もそうした無法地帯である。そんな世界で生きていくことは難しい。「死んだ鹿は、弱い鹿」であって、この世界に「偶然はない」というコリーの言葉には厳しいものがある。しかし、コリーには自分の娘を救うことができなかった点で弱者に対する理解がある(コリー自身はハンターとして強者だとしても)。
 思えば『ボーダーライン』においてメキシコでの麻薬取引に関わっている警察官のエピソードが意外にも丁寧に描かれているのは、麻薬によって家族を失うことになるごく普通の家族の悲劇を強調するためだろう。そして『最後の追跡』において同情的に描かれるのも銀行に騙される貧乏人だった。テイラー・シェリダンの描くフロンティアは厳しい掟が支配する。そして、それを逞しく生き抜くヒロイックな主人公が居たとしても、テイラー・シェリダンの視線は弱者のほうに向いている。
 だから『ウインド・リバー』のコリーは、雪原を何キロも逃亡したナタリーの“強さ”を賞賛するし、FBIのジェーンも壮絶な銃撃戦を生き残ったこと自体が“強さ”なのだとコリーに諭されもする。さらにコリーはドラッグに逃避しているナタリーの兄に対してこんな説教をしていた。「社会は変えられない。だから俺は感情のほうを変える」と。これは先住民が“ウインド・リバー”で生きていくための処世術だけれど、多分、テイラー・シェリダンは「社会を変える」ほうを望んでいるし、この作品を世に送り出すことでそうなることを願っているのだ。
 加えて言っておけば、社会問題を声高に訴えるだけではなく、ハラハラドキドキが最後まで続くエンターテインメントとしてもよく出来ていた。ナタリーの死の真相が明らかになる部分の演出も見事だったし、そのあとの壮絶な銃撃戦も見応えがあった。あまり粒揃いとは言えないこの夏の劇場公開作品のなかでは断然お薦めの作品だと思う。
Date: 2018.07.30 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (4)

『悲しみに、こんにちは』 6歳で母を亡くした少女のひと夏

 スペインの女性監督カルラ・シモンの長編デビュー作。
 ベルリン国際映画祭では新人監督賞を受賞した。
 原題は「Estiu 1993」で、「1993年、夏」という意味。

カルラ・シモン 『悲しみに、こんにちは』 フリダ(ライア・アルティガス)は6歳で両親を亡くす。


 両親を亡くした主人公の少女フリダ(ライア・アルティガス)は、叔父夫婦のところに引き取られる。バルセロナからカタルーニャの田舎に引っ越し、いとこのアナ(パウラ・ロブレス)と一緒の新しい生活が始まるのだが……。
 
 作品中に詳しく説明があるわけではないのだが、フリダは父と母をエイズで相次いで亡くしたという設定。これは監督であるカルラ・シモンの自伝的な話のようだ。1993年が舞台となっているが、この時期はまだエイズに対する効果的な治療は確立されていなかったころ。よくわからない病気で両親を亡くした少女のひと夏が丁寧に描かれていく。
 フリダはまだ6歳。“死”というものが何なのかもまだ理解していない。それでも母親がいなくなったことだけは感じていて、一緒に暮らすことになった叔母マルガ(ブルーナ・クッシ)に最初はちょっと遠慮しているようにも見える。
 フリダは親から甘やかされて育ったらしく、自分では靴ヒモを結ぶこともできない。母親が居ればそんなことはしなくてもよかったのだ。しかし今では母親は死に、やさしい祖母からも遠く離れているわけで、フリダはその場所で生きていくしかないのだ。

『悲しみに、こんにちは』 フリダ(ライア・アルティガス)はいとこのアナ(パウラ・ロブレス)と一緒に暮らすころに。

 冒頭はバルセロナから引っ越しの日の場面。いつもと違う家の様子に、所在なさげに居場所を探すように歩き回るフリダが描かれている。ここでの映像は極端に被写界深度が浅いものとなっている(あの『サウルの息子』のように)。スクリーンの中心に位置するものにしかピントが合わず、周囲はひどくぼやけた状態になっているのだ。これはフリダが母の死を経験して内にこもってしまい、外界にあまり注意が向いていないような状態を示しているのかもしれない。
 それでもカタルーニャで幼いいとこアナと暮らすようになると、次第にそんな状態からは脱出してくる。そうすると元々のワガママな部分が出てきて、叔母を困らせてみたり、アナにいたずらをしてケガをさせたりもしてしまう。
 家族とはいえ一緒に暮らしていくのは何かと苦労が多い。急にひとり成員が増えればなおさらである。叔母のマルガは血のつながりのないフリダの母親になることを決めたけれど、まだ幼いアナのことも守らなければならない。となればフリダに厳しく接することもあるわけで、これまで甘やかされてきたフリダにとっては耐え難いこと。どちらにも言い分はある。フリダは望んでマルガの家に来たわけではないし、マルガだってフリダのアレルギーのために飼っていた猫をほかに追いやったりする努力をしている。家族になるのは大変なのだ。

 最初はあまりに自由気ままな態度がいけ好かなくも感じられるフリダ。それでもマリア像に母親に対しての贈り物を捧げてみたり、祖母が教えてくれた祈りの言葉を唱えたりする姿を見ていると、母親と暮らした家に戻ろうと家出を試みるエピソードあたりでは同情したくもなってくる。怖くなって家出からは戻ってきたものの、「暗いから明日にする」と言い放って毅然としているのがフリダらしいところ。そんなフリダが最後に流す涙にはちょっともらい泣きした。
 無邪気にフリダの後を追っかけているアナ役の少女はまだ幼くて何ともかわいらしい。カメラの前の姿は演技というか自然のリアクションなんじゃないかと思える。フリダ役のライア・アルティガスだってまだ幼いのだけれど、意外と芸達者なのかもしれない。最後の場面ではアナと叔父と三人でベッドの上でじゃれあっているという長回しのなか、いつの間にか泣き出してしまうという難しい場面をすんなりこなしているのだ。
Date: 2018.07.26 Category: 外国映画 Comments (0) Trackbacks (0)
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Author:Nick
新作映画(もしくは新作DVD)を中心に、週1本ペースでレビューします。

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